INTERVEWS / ARTICLES

### Interview with Dnitri Tenkin ( Дмитрий Тёткин - Подробности: https://regnum.ru/news/cultura/2421347.html).
On the occasion of Atropos theatre projects in Russia during spring 2018

{Below text in English}

 

В предверии показа спектакля в Петербурге мы поговорили с греческим режиссёром-путешественником о некоторых вопросах, которые могут быть интересны заядлым театралам и не только. О Боге и Родине, например… Стаматис изучал французскую философию, учился на разных театральных интенсивах и много ездил по миру для работы в смешанных группах, чтобы уйти от комфорта определённости в том числе. Он подчёркнуто скромен. И, в отличие от большинства актёров и режиссёров, не стремится занимать собой всё пространство слишком уж явно. Никоим образом не претендуя на окончательный «портрет», мы рады поделиться некоторыми штрихами к нему. И, возможно, читатели заинтересуются другими доступными в сети интервью или отправятся в качестве участников на живые и глубокие мастер-классы режиссёра.

- Давайте начнём с обсуждения вашей «творческой стратегии», которая, по вашим словам, может быть описана как «путешествие» и постоянная «смена». И это напоминает нам про Одиссея. Как мы все знаем, он был очень мудрым и хитрым, но спал с разными женщинами, пока его жена хранила верность ему… Ваши творческие стратегии связаны с локальными сообществами, «тренингами», новыми людьми… В отличие от режиссёра «нормального театра», вы не «кормите» актёров, но скорее постоянно меняетесь с людьми знаниями, временем, ресурсами… Испытываете ли вы какие-то внутренние проблемы с «использованием» других людей? Разумеется, этот вопрос — скорее провокация, но…

На самом деле, это постоянное движение, о котором вы говорите, может быть соотнесено с тем, что я отказываюсь ассоциировать «родину» с одним местом. Скорее родина выглядит как плавучий остров с лагерем беженцев, где люди из разных культур могут встречаться под знаком театра, чтобы освежить свой взгляд на творчество или даже развитие человека… И в этих встречах тон скорее задают удары сердца, чем «профессионализм». Я должен признаться, что у меня была мечта работать с некоторыми людьми в одном месте на постоянной основе. Полная противоположность тому, что делаю сейчас! Но разве жизнь не полна противоречий?

-  Вы профессиональный философ. Могли бы вы поделиться университетскими воспоминаниями, особенно в смысле того, что повлияло на вас, какие традиции и тексты. Помимо очевидных французских следов, поскольку вам нравится сложный язык и красноречие и, вероятно, французские драматурги…

Наоборот. В противоположность тому, что вы думаете, французская литература и философия никогда слишком сильно не стимулировали мою мысль… И даже изучение французской философии не было моим первостепенным делом. Я был больше заинтригован театральная группой моего факультета, поскольку это было единственное место, где я действительно мог видеть реальное творчество, а не слепую службу «уже готовому знанию». Очевидно, что я был снобом? Не так ли? Поэтому я искал «пищу» вне университетских стен. Тот период был связан, например, с влиянием Милана Кундеры с его нелинейным и в тоже время лирическим взглядом на мир… Франц Кафка тоже крайне восхищал меня его точным анализом садо-мазохистского измерения сознания человека. Хотя одну минуточку! Также есть и один француз, или не совсем француз, который меня затронул: Сэмюэл Беккет, особенно его «В ожидании Годо», в котором каким-то образом отразилась трагикомедия человечества, которое мучительно пытается дождаться чего-то картезианско-логическим способом…

-  Думаете ли вы, что пошли дальше Гротовского (или других ваших учителей), поскольку Гротовский, например, в каком-то смысле считал, что пошёл «дальше, чем Станиславский». Или для вас вообще не имеет смысла сравнивать «прогресс» в искусстве? Верите ли вы в его возможность в театре (в смысле методов и школ)?

Честно говоря, я не могу определить, где эти важные люди театра остановились и в каком смысле одни дополняли других… Это, скорее, вопрос для теоретиков или историков театра по простой причине, поскольку эти два художника работали в «поле», так сказать, со «свежей кровью»… Особенно Гротовский, который прислушивался к внутреннему голосу и его вопросам, независимо от того, что иногда это могло далеко увести его от театра. Мы также должны помнить про культурную, духовную и историческую среду, в которой творил каждый художник. В моём случае, например, я не могу избежать важности для меня света (во всех смыслах) и отсылок к платонизму и Православной церкви… Что меня на самом деле интересует, это процесс трансформации человеческого существа и его потребность поделиться этим процессом с гостями-зрителями-свидетелями, и также потребность в зрителях-свидетелях в этом процессе. Довольно недавно я также осознал, насколько я люблю и уважаю актёра, поскольку, в отличие от многих других видов искусства, актёр служит режиссёру почти тем же образом, как люди служат Богу. И в этой службе, я осмелюсь сказать, актёр открывает в пределе экстаз «любовника» или «верующего». И возвращаясь к сути вопроса: всё уже сказано и сделано, но человек вечно живёт творчеством. Поэтому вечный «прогресс» открывает новые окна, откуда вы можете видеть новые детали и перспективы той же реальности…

-  Если это не секрет, и вы достаточно смелы, чтобы поделиться, расскажите про вашу личную жизнь в смысле семьи, жены, детей, родителей… Если у вас долговременные связи и отношения? Хотите ли вы их? В любви, сексе, также как в создании «творческих групп», «творческих семей»? Как вы совмещаете ваш образ жизни с ваши собственными потребностями?

Как любое человеческой существо, я нуждаюсь в любовных связях. Однако я не ищу отчаянно друзей, любовниц (у), жену, семейные события… У меня осталось очень немного старых друзей, которые сохранились несмотря на мой образ жизни. Сейчас я чувствую, что страсть перестала меня заботить в жизни. Мой большой вызов — это любить, несмотря на почти утопическую невозможность этой цели. Но, понимаете, чем больше я люблю людей, тем большей я люблю Бога, и наоборот, чем больше я люблю Бога, тем больше я люблю людей и ищу в них образ Творца…

-  Вы никогда не работали в знаменитых российских театрах, таких как МДТ, БДТ, МХАТ и другие… Есть ли у вас амбиции «завоёвывать» театр больших «звёзд» и денег… Или вы считаете, что ваше маргинальное положение — это скорее преимущество? Приглашали ли вы «звёзд» в свои проекты, или главным образом к вам приходят люди, которые не могут найти своё место в индустрии театра, но ищут собственного внутреннего спасения, или люди из «андеграунда», или участники инклюзивных групп (вы работали с инвалидами), и тогда театр становится средством социальной адаптации…

Я открыт к любому формату, которые может развивать идею встречи через театр. Моя единственная амбиция — это продолжать быть настолько здоровым и сильным, чтобы поддерживать возможность этой работы. Проекты, которые я предлагаю, открыты для людей, которые хотят скорее измениться, чем просто что-то делать. Происхождение этих людей и результат уже вторичны…

-  Вы часто подчёркиваете, что вы не психотерапевт (что разумно), но всё-таки как вы проводите грань между «терапевтическим процессом для решения своих внутренних проблем» и «процессом как производством искусства»?

Это просто. Процесс «терапии как решения внутренних проблем» начинается с проблемы и пытается решить её. Процесс «делания искусства» начинается с жажды встречи и намерения предложить плоды её зрителю-гостю-свидетелю

-  Если мы не затронули какой-то важный вопрос, то давайте затронем… И, кстати говоря, скажите пару слов о вашем ближайшем театральном показе 26 мая в Петербурге. Какого рода эта работа?

Я думаю про вопрос, который вы задали в конце двухдневной мастерской: «Почему люди не могут вести себя настолько свободно в повседневной жизни, хотя они могут вести себя так свободно во время театрального тренинга?». Ну, я думаю, что люди боятся неизвестного. Поэтому мы так тяготеем к повсеместно принятому и признанному поведению, которое позволяет нам легче общаться друг с другом. С другой стороны, мы не может полностью исключить неизвестное! Даже если человек не занимается театром, но всё равно он ищет свободу и спонтанность в рамках сообщества или семьи…

Что касается перформанса 26 мая (в 18 часов, в театре «Белая черепаха» на Каменоостровском), то его название «Калевала — первая часть», и он вдохновлён карело-финским эпосом «Калевала». Это работа, которая комбинирует и в то же время сталкивает множество повествовательных инструментов, таких как тело, традиционное и импровизированное пение, повествование, живопись, театр теней, взаимодействие с гостями… Эта работа сделана в расчёте на одну и ту же команду. Точнее говоря, это Сергей Созин и я, и ещё один — два актёра… И для меня это связано с долговременным проектом по исследованию мифологических и эпических текстов. Кстати говоря, мы сотрудничает с Сергеем Созиным уже много лет в разных форматах. В случаях «Калевалы» и «Демиургии» — наших предыдущих проектов — наша начальная точка путешествия была в комбинировании в одной работе повествования, актёрской игры, пения и живого исполнения музыки в основном на традиционных инструментах…

Подробности: https://regnum.ru/news/cultura/2421347.html

1

Let’s start from question about your creative and life “strategy”, which is according to some of your words can be described as “journey” and permanent “changing”,  and it   reminds us about Odyssey. As we all know, he was very smart and wise man, but slept with different women, meanwhile his wife was loyal to him… Your creative strategies connected with local workshops, new people etc. Unlike director of theatre you don’t “feed” people mostly with regular job, but more exchange with them time, knowledge, resources…  Do you have any inner problem with “using” other people. And then go to another place and recruit new one. Of course needles to say that I ask this question more as a provocation, but… Maybe it gives you some possible thoughts to react.

Actually this permanent movement you are talking about can be related with the fact that I refuse to connect “motherland” with one place. It looks like a floating refugee camp where people with different cultural backgrounds meet under the auspices of theater in order to refresh their vision of creativity, of human development further more. And in these meetings what gives the ton is the heartbeat and not that much the “professionalism”. I have though to admit that it is my dream to work with some people on permanent basis in one place. Contradictory to what until now happens! But isn’t it life full of contradictions?!..

2

You are professionally philosopher. Can you share some of your universities memories especially in terms of what was influential for you from humanitarian traditions and texts. Besides obvious French traces ( you are very sophisticated in language and eloquent and probably like many French playwrights etc )  

On the contrary to what you believe French literature and philosophy never stimulated that much my thought… By the way, to accomplish these studies it was not my first choice! I was mostly intrigued from the theater group of my faculty, since it was the only framework in which I could feel real creativity and not blind service to already made knowledge.. It is obvious that I was arrogant, isn’t it? Therefore I found “food” outside the university frames. For instance, at this period, influenced me the thought of Milan Kundera for his non-linear and at the same time lyrical vision of the world..  Frants Kafka also really fascinated me for his precise analysis of the sado-mazochist dimension of human mind. But just a minute! There is also one French, or not really French who touched me: Samuel Becket and especially his “Waiting for Godot” which somehow includes the tragic-comedy of humanity which is longing for something or someone in a kartesian-logical way…

3

Do you think that you go further than Grotovski (and other your teachers). Because Grotovsky for example thought that he went “further than Stanislavsky”. Or it does not make sense to compare “progress” in art. Do you actually believe that there is a progress in theatre (in terms of  methods and schools)?

Honestly speaking, me I cannot define where these important theater people stopped and in which terms one completed the other.. This is rather a field of theoreticals and of historians of theater, For the simple reason because this 2 creators where working “on the field”, with “fresh blood” so to say… Especially Grotovski he was basically listening to his inner voice and questions independently if this could somehow take him far away from theater..

We have also to take into consideration the cultural, spiritual and time environment of each creator. In my case for instance I cannot avoid the importance of light in all meanings and also the platonical and Christian orthodox direct  references..
What is really interesting for me is the process of transformation of human being and his need to share this process with guests-spectators-witnesses as well as the need of human to assist as spectator-witness in such process. Quite recently I also realized how much I respect and I admire the actor, since on the contrary to other artists, he somehow develops his creativity serving a director almost in a way the human serves God. And in this service the actor discovers an almost, I dare to say, “lover’s” or “believer’s” pleasure.

And to come to the essence of your question: Everything is already said and done, But the human is eternally creative. That’s why he is eternally “progressing” opening new windows from where you see new details, new perspectives of the same reality..

4

If its not secret and your brave to share this knowledge, tell us about your personal life and personal story in terms of family, wife, children, parents… Do you have any stable long terms relationships? Do you want to have them? In love, sex as well as in “creative group”, “creative family”. How do you combine your lifestyle with your own needs?

As every human being I long for love connections. I do not though search desperately for friends, lover(s), wife, family events. I have some very few friend connections which last for years despite my way of life. I feel that now passion(s) in life do not concern me. My big challenge is to love despite the almost utopian dimension of this aim. But you know the most I love humans I love God and the opposite the more I love God I love humans and I search in them the image of God…

5

 You never worked in the famous  theatres such as (MDT or BDT or MHAT) in Russia. Do you have ambitions to conquer “theatre of stars and big money” or actually you consider your marginalized position as a privilege? Did you try to invite “stars” to your projects or mostly its just for people who can’t fine job in the industry, but search for inner salvation, or  people from “underground” theatres or inclusive theatres of rehabilitation.

I am open to whichever framework can develop the idea of meeting through theater. My only ambition is to continue being as healthy and strong as possible in order to support these meetings. The projects I propose are open to people who are determined  to be done rather than to do. The origin of this people and the consequences of this process are secondary…

6

You often say that you are not psychotherapist (and its reasonable), but still how to do make distinguishes between “process as therapy for solving inner problem” and “process as making art”?

It is simple: “process as therapy for solving inner problem” starts from a problem and intends to resolve it. And “process as making art” starts from a desire to meet and intends to offer its fruit to a spectator-guest-witness

7

If we did not touch any important question, please make your own questions to be touch… And of course tell a couple of words about upcoming theatre performance, 26 of may, what’s kind of work it is? And by the way, do you ever want to have some plays or performances which goes for many years with the same crew?

I thought about the question you put at the end of the recent 2days voice workshop: “Why people cannot not behave so freely in everyday life like they behave during theater training?”. Well, I believe that human is afraid of the unknown. That’s why he somehow builds an commonly accepted and recognizable behavior which allows him to easily communicate with each other.. On the other hand he cannot completely avoid the unknown! Even if he is not practicing theater he is searching for parallel(s) spontaneity also in family or community frames.

As for the performance of 26^th of May (at 18:00 at “Belaya Tserepaha”, Каменоостровский, 27Г: Its name it is “Kalevala – 1^st part” and it is inspired from the karelo-finish epos “Kalevala”. It is a performance that combines and at the same time overpasses various narrative instruments such as body, traditional and improvisational singing, narration, painting, theater of shadows, interaction with guests…
This performance is exactly aiming to survive in time with the same crew. Precisely with Sergey Sozin, me and one or two more actors. And it is somehow part of my long-term vision to explore theatricaly myths and epical texts.
By the way we work with Sergey Sozin already many years under different frameworks. In the case of “Kalevala” and “Demiurgia” – our previous collaboration, our starting point was to combine in one performance narration, acting, singing and live use of traditional mainly instruments..

\\\\\\\\ An interview of Stamatis Efstathiou to Annie Petrosian (http://9journal.com.ua/1473-2/ ) on the occasion of his Theatre of Connection workshop and of "Demiurgia" performance in Kiev (in Russian, in English, in Spanish and in Greek)

{Below text in English}
[Mas a bajo en Espanol tambien]
\\\ Σύρετε κάτω για τη μετάφραση στα Ελληνικά\\\\\\

     1. Ваш проект называется "Театр Взаимосвязи"...где вы являетесь ведущим... Кем вы сами себя считаете? Перформером? Режиссером? Актером?

Театр Взаимосвязи - это мой практический подход к театру и в то же время возможность описать мое виденье и философию жизни. Я являюсь ведущим треннинга, режисером и иногда перформером. Но, на что важно обратить внимание, что перформер начинается с человека, который развивает все свое существо.

2.      С чего все начиналось?.. С чего началось то путешествие, которое привело вас к   

               "Театру" и к тому образу жизни, которым вы живете?

Слово путешествие это слово “ключ”, так как для меня театр это прежде всего - Путешествие. Другими словами, театр нашел способ преодолевать ограничения общественных норм и материального измерения ежедневной действительности. В театре я могу двигаться сквозь это, свободно, на встречу другим людьми, другим культурамам, другим местамм...и все это ведет к активизации внутреннего движения, открывает пространство для того, чтобы поднимать новые темы, задавать новые вопросы… И еще одно: театр это место, где я могу развиваться “с другим и наедине с собой”.

3.      Вы могли бы чуть больше раскрыть последнее...что означает “развиваться с другим и наедине с собой?” И в чем цель...вашего подхода к театр.

Театр дарит нам возможность Встречи с другим  за рамками обыкновенной жизни. Через превращение, через сознательное использование своего внутреннего ребенка, через поэзию и музыку, человек-актер обнаруживает в себе уровень спонтанности и привносит этот новый уровень связи в свою жизнь.

За этими рамками, человек научается быть одному без страдания, связанного с одиночеством. Наоборот, это одиночество и необходимость расставания питает его, привносит спокойствие… И впоследствии, в группе, с партнером, он может привнести то, чем напитался - новые уровни физических и вокальных ландшафтов.

По поводу моего подхода, я бы сказал, что в основном это опять же про глубокую встречу, которая очень редко случается в рамках повседневной жизни.

Метафорически -  хочу смотреть на Солнце. Но из-за того, что нельзя смотреть прямо на солнце, я выбираю смотреть чуть ближе, в то пространство где и возникает Театр Взаимосвязи, чтобы иметь возможность прикасаться к чувствованию того, что находится за Солнцем...

4.      Что для вас важнее, Стаматис, процесс или результат? Есть “Демиургия”...как результат процесса, которым вы делитесь… И все таки в конце тренинга участники тоже создадут совместный перформанс, который будет результатом их со-творчества. Театр (ваш театр Взаимосвязи) - это про процесс или про результат?...

Невозможно разделить процесс и результат. Чтобы процесс был живой, ему нужна перспектива. В нашем случае это будет показ перформанса. Перспектива показа привносит в процесс участника необходимую строгость, простоту и искренность… А также возможность довериться без компромисса потоку работы, ведущему процесса и своему партнеру…

Очень важно подчеркнуть, что перспектива показа-перформанса делает процесс подготовки качество  “дара”. Качество работы улучшается, когда ты знаешь - то, что ты делаешь в процессе должно вести к какой-то интересной форме, которая будет “даром” зрителю.

5.      Я бы хотела больше узнать про то, с чего начинался ваш путь...как вы начинали? Чем вы занимались до театра? Кто вас вдохновлял? Ваши учителя…

Я закончил университет французской философии, литературы и языка в Афинах. У меня вообще был такой достаточно академический путь, к тому же моя семья была всегда далека от искусства. И я почувствовал уже тогда, что мне нужно открыть творческий аспект моего Пути, тот,  который не обусловлен академическим  влиянием или бизнесом. И театр пришел ко мне посредством различных совпадений, чтобы привнести новые смыслы в мою жизнь…

Надо признаться, сначала я осуждал нарциссический и демонстративный подход свойственный миру театра,  но преодолевал эту тень, открывая наличие альтернативного пути в театре. А к этому меня вел Эжи Гротовский и его уникальные открытия. Меня очень впечатлила его идея миссии и самопожертвования. И эта идея со временем привела меня к связи театра с духовностью. Я осознал, что чем больше развиваешь свою работу через тело, тем больше открываешься к миру духа...к Богу.

Меня так же вдохновляла в этом работа с Сергеем Ковалевичем, русским режиссером, и театр Плаво Позористэ из Сербии. Кроме этого, мои главные учителя - это мои ученики… Я даже скажу, что я считаю себя опытным учеником….и что пока что я сделал больше “ошибок” чем мои ученики...

6.      Когда я думаю про театр, первое, что приходит мне в голову - это слово Ритуал. И мне кажется, Гротовский именно это привнес в театр, так же как Пина Бауш именно на этом делала акцент в мире танца… И тогда приходит в голову, что театр - это такой показательный ритуал...возможность сделать самое интимное - увиденным. Возможность дать бессознательному выразиться в форме… Какова роль Ритуала в Театре Взаимосвязи?

Чтобы ответить на твой вопрос, мне нужно уточнить как я трактую само слово, а дальше сам феномен ритуала. Чем отличается ритуальное действие от не ритуального? Я думаю эта разница может быть выявлена через пространство, время, физическую и вокальную форму. Время переживается как некое повторение того, что уже было. Часто возникает сильное чувство настоящего момента. В пространстве проявляются более строгие и ясные геометрические формы, по сравнению с обыкновенной жизнью. А физическая и вокальная форма очень часто связана с тотальным превращением. Вот этот ритуальный подход и является центральным в Театре Взаимосвязи: повторение, геометрия, превращение.

7.      Мне очень срезонировало, что результат-перформанс - это Дар зрителю. Какова роль зрителя в Театре Взаимосвязи?

Театр, любой - не только театр Взаимосвязи, это прежде всего Встреча. Встреча с самим собой, с партнером, со зрителем. Даже если только один зритель - это уже говорит о том, что театр уже есть. Зритель привносит некий третий взгляд, благодаря которому актер становится более сознательным, точным, а самое главное - щедрым! в своем присутствии. Зритель как бы вкладывается собой в расширение сознательного поля актера…

8.      Давайте поговорим про Демиургию…перформанс. Что это такое?..

Демиургия по-гречески означает сотворение. Именно об этом идет речь в этом перформансе. Мы его создали с Сергеем Созином и показывали в Питере, в Белоруссии и очень скоро он будет представлен в Афинах, Салониках и в других местах.

В “Демиургии” нам было интересно исследовать древние мифы про сотворение мира через их драматургию - зороастрийские, шумерские, индийские, греческие, африканские, американские, египетские. А потом представить эти мифы через сочетание рассказа, использование народных инструментов, а также физического и вокального актерского воплощения.

9.      Одна потенциальная участница вашего воркшопа в Киеве спросила меня, а что все таки мы будем делать….звучит красиво, но не понятно. Я хотела ответить...а потом решила задать этот вопрос вам. Если доступными словами описать наш будущий городской ритрит - что там будет происходить? Чего там больше - театра? или духовного самоисследования? или психологического тренинга?

Сначала будем вместе создавать семейную атмосферу, чтобы все чувствовали безопасность. Будем знакомиться с главными физическими и вокальными элементами треннинга театра Атропос и постепенно интегрировать в процесс индивидуальный и групповой материал связанный с темой “Эрос-любовь”. В конце будем выстраивать маленькую структуру - перформанс, который покажем нашим гостям. Это театральный процесс - да,  но в нем присутствует психологическое, а так же духовное измерение. Если же вы ищите новых знаний, техник и театральных секретов, а не раскрытия себя неизвестному - лучше тогда не присоединяться.

10.  Стаматис, какая роль бессознательного в творческом процессе? Что по вашему питает творчество и что блокирует поток?

Вход в бессознательное - это изначальное условие творческого процесса. Уже когда человек решает заниматься искусством, он делает шаг из, выходит из области сознательного открывая всего себя неизвестному, непроявленному, забытому. Но с другой стороны хочется отметить то, что часто люди смешивают сам материал, который открывается в этом процессе и способ его выражение. Им кажется, что способ выражения того, что проявилось “с потом и кровью в темноте” должен быть 100% сознательным. И это именно то, что определяет свободу художника, то, что он сам выбирает сознательно свои инструменты, язык, физические и вокальные формы, чтобы придать материальную форму плодам своей души и духа.

А вот это в свою очередь ведет к следующему: художник, по образу и подобию Бога, разворачивает в своем искусстве аспекты Духа, своей божественной природы. Так как творчество принадлежит божественной природе, он проявляет божественный аспект. И чем больше мы это осознаем, тем смиреннее мы подходим к материалу, к нашим партнерам, ведущим процесса. Так как высокомерие и вульгарность - это самые большие препятствия в творческом пути.

Так же хочу отметить 3 самых важных препятствия в творческом процессе: лень, жадность и нетерпение. Подробнее про это будем говорить на воркшопе.

IN ENGLISH

1.   Your project is called the "Theater of Connection" ... where you are the leader ... Who do you consider yourself? A performer? A director? An actor?

The "Theater of Connection" is my practical approach to theater and at the same time the term to describe my vision and philosophy of life. I am working as an actor’s trainer, director and sometimes as a performer. But, what is important to notate is that a performer is first of all a person who develops lifelong his entire being.

     2. How did it all begin? .. How did the journey that led you to "Theater" and to the way     

of life that you live?

The word journey is the word "key", since for me the theater is primarily a journey. In other words, through theater I found a way to overcome the limitations of social norms and of the material dimension of every day life. Thanks to  theater, I can move freely, meet other people, other cultures, other places ... and all this leads to the activation of the internal movement, opens up space to raise new topics, ask new questions ... And one more thing: theater is a place where I can develop myself by  "being together and alone."

     3. Could you explain a little bit more ... what it means “being together and alone?" And what is the purpose ... of your approach in theater?

The theater gives us the opportunity to meet with others outside of social life’s rules and frames. Through the transformation, through the conscious use of one’s inner child, through poetry and music, the actor-human discovers a new level of spontaneity and lets the fruits of this change to make him reconsider his life.

Beyond this framework, a person learns to be alone without suffering when he is confronted with loneliness. On the contrary, this loneliness and the need to take distance nourish him, bring him calmness ... And later, in a group, with a partner, he can bring the freshness that he gained - new levels of physical and vocal landscapes.

Concerning my approach, I would say that basically this is again about a deep meeting, which very rarely happens in the context of everyday life.

Metaphorically speaking, I want to look at the Sun. But due to the fact that you cannot look straight at the sun, I choose to look a little closer, into the space where the “Theater of Connection” appears, so that I feel in a way what is behind the sun …  

     4. What is more important for you, the process or the result?  There is "Demiurgia" ... as a result of the process you are sharing ... Additionally, at the end of the theater laboratory the participants also create a group performance-presentation, which is the result of their co-creation. The theater - your “Theater of Connection”,  is about the process or about the result? ...

It is impossible to divide the process from the result. To make the process alive, you need a perspective.  In our case, it is a performance. The perspective of the performance brings the necessary emergency, simplicity and sincerity to the participant's process ... And also the opportunity to trust without any compromises the flow of the work itself, the work’s leader and your partner(s).

 It is very important to mention that the perspective of the performance adds to the process the quality of "gift". The quality of work improves when you know that what you are doing in the process should lead to some interesting form that will be a "gift" for the viewer.

      5. I would like to know more about the beginning of your path ... how did you start? What did you do before theater?  Who inspired you? Your masters ...

I graduated from the faculty of French Philosophy, Literature and Language in Athens University. I generally had enough from this academic path; besides, my family was always far from art. And I felt already then that I needed to discover the creative part of my path, one that is not conditioned by academic influences or from business rules. And the theater came to me through various coincidences, in order to bring new meaning into my life ...

I must admit, that at the beginning the narcissistic and demonstrative approach familiar to the world of theater bothered me, but I overcame this shadow, discovering the existence of an alternative path in the theater. And to this I was led by Jerzy Grotowski and his unique discoveries. I was very impressed with his idea of ​​mission and self-sacrifice. And this idea eventually led me to link theater with spirituality. I realized that the more you develop your work through the body, the more you open to the world of the spirit ... to God.
I was also inspired by the work with Sergei Kovalevich, the Russian director, and by the Blue theater from Serbia. A part from all that, my main teachers are my students and collaborators ... I will even say that I consider myself as an experienced student ... and that so far I have made much more "mistakes" than my students ...

     6. When I think about theater, the first thing that comes to my mind is the word Ritual. And it seems to me that Grotowski brought this to theater, just as Pina Bausch was accentuating this in the world of dance ... And then it comes to my mind that theater is such an exemplary ritual ... the opportunity to make the most intimate - seen. The ability to give to the unconscious an expression in the form ... What is the role of the Ritual at the Theater of Connection?

In order to answer at your question, I need to clarify how I interpret the word ritual itself, and then the phenomenon itself. What is the difference between a ritual and a non-ritualistic action? I think this difference can be revealed through space, time, physical and vocal form. In terms of time ritual is much based on repetition. Often there is a strong even total sense of the present moment. In terms of space, strict and clear geometric forms dominate, compared at least with ordinary life. And the physical and vocal form is very often associated with total transformation. This ritualistic approach is central to the Theater of Connection: repetition, geometry, transformation.

      7. I was very much impressed that you approach the result-performance as a gift to the spectator. What is the role of the spectator in the “Theater of Connection”?

The theater, any - not only the Theater of Connection, is primarily a Meeting. Meeting with one’s self, with a partner, with the audience. Even if there is only one spectator - theater already exists. The viewer brings a third look, thanks to which the actor becomes more conscious, precise, and the most important - generous in his presence! The spectator somehow contributes to the expansion of the actor's conscious field...

     8. Let's talk about “Demiurgia” performance. What it is about?...

Demiurgia in Greek means creation. This is what this performance is about. We created it with Sergei Sozin and presented it in St. Petersburg, in Holionino (Belarus), in Athens and in the close future it will be presented in Kiev and in other places of the world.
In "Demiurgia" we were interested to explore the ancient myths - Zoroastrian, Sumerian, Indian, Greek, African, American, Egyptian- treating directly or indirectly the topic of creation of the world.  Sergei  Sozin did the first research and afterwards I created the dramaturgy. Finally we present these myths through a combination of narration, use of folk instruments, as well as through physical and vocal acting.   

     9. One potential participant of your workshop in Kiev asked me “what we will do?.. It sounds beautiful, but it is not clear to me”. I wanted to answer ... and then I decided to ask this question to you. If you have available words describe to me our future urban retreat - what will happen there? What will be more – theater training? Or spiritual practice? Or psychological self-research?

First, we will create together a family atmosphere, so that everyone feels safe. We will get familiar with the main physical and vocal elements of Atropos Theater training and gradually integrate into the process individual and group material connected with the theme of "Eros-love". In the end we will build a small structure - a performance that we will present to our guests. This is a theatrical process - yes, but there is a psychological, as well as a spiritual dimension. If you are looking for new knowledge, techniques as well as theatrical tricks, and not to open yourself to the unknown - it is better then not to join it.

     10. What is the role of the unconscious in the creative process? What activates creativity and what blocks the flow?

To enter into the unconscious this is the primal condition of the creative process. Already when someone decides to deal with art, he takes a step out of, out of the conscious sphere, opening himself to the unknown, to the unmanifested, to the forgotten. But on the other hand I want to underline that often people confuse the material itself, with the way it is expressed. The way to express what was manifested, "with sweat and blood in the dark", should be 100% conscious. And this is exactly what defines the artist's freedom, the fact that he himself chooses consciously his instruments, language, physical and vocal forms, in order to give form to the fruits of his soul and spirit.
And this, in turn, leads to the following: the artist, in the image and likeness of God, unfolds in his art aspects of the Spirit, of his divine nature. Since creativity belongs to the nature of divine, he manifests the divine. And the more we realize this, the more humble we approach our material, our partners, and the leaders of the process.

Since arrogance and vulgarity are the biggest obstacles in the creation path.
Not to mention also the 3 most important obstacles in the creative process: laziness, distraction and impatience. But we will talk more about this during the workshop.

EN ESPANOL

1.    1. Su proyecto se llama "Teatro de conexión”... Donde usted es el líder... ¿A quién se considera usted mismo? Un performer? ¿Un director? ¿Un actor?

El "Teatro de Conexión" es mi enfoque práctico del teatro y, al mismo tiempo, el término para describir mi visión y filosofía de vida. Estoy trabajando como entrenador de actores, director y, a veces como performer. Pero, lo que es importante notar es que un artista es ante todo una persona que sigue desarrollando su mismo durante  toda su vida.

2.    ¿Cómo comenzó todo? ¿Cómo fue el viaje que le llevó al "Teatro" y al camino
de la vida que usted vive?

La palabra viaje es la palabra "clave", ya que para mí el teatro es principalmente un viaje. En otras palabras, a través del teatro encontré una manera de superar las limitaciones de las normas sociales y la dimensión material de la vida cotidiana. Gracias al teatro, puedo moverme libremente, conocer a otras personas, otras culturas, otros lugares... y todo esto lleva a una activación del movimiento interno, abre espacio para plantear nuevos temas, hacer nuevas preguntas... Y una cosa más: el teatro es un lugar donde puedo desarrollarme "estando junto y solo" al mismo tiempo.

3.    ¿Podría usted explicar un poco más... qué significa "estar junto y solo"? ¿Y cuál es el objetivo... de su enfoque en el teatro?

El teatro nos da la oportunidad de encontrarnos con otros fuera de las reglas y marcos de la vida social. A través de la transformación, a través del uso consciente del niño interno, a través de la poesía y de la música, el actor-hombre descubre un nuevo nivel de espontaneidad y deja que los frutos de este cambio lo hagan reconsiderar su vida.

Más allá de este marco, una persona aprende a estar sola sin sufrir cuando se enfrenta a la soledad. Por el contrario, esta soledad y la necesidad de distanciarse lo alimentan, le dan tranquilidad... Y más tarde, en grupo, con un compañero, puede aportar la frescura que adquirió: nuevos niveles de paisajes físicos y vocales.

En cuanto a mi enfoque, diría que básicamente se trata de una encuentro profundo, que muy difícilmente sucede en el contexto de la vida cotidiana.

Metafóricamente hablando, quiero mirar el sol. Pero debido a que no se puede mirar directamente al sol, elijo mirar un poco más cerca, en el espacio donde aparece el "Teatro de Conexión", para sentir lo que está detrás del sol ...

4.    ¿Qué es más importante para usted, el proceso o el resultado? Hay "Demiurgia" ... como resultado del proceso que está compartiendo ... Además, al final del laboratorio teatral, los participantes también crean una presentación-función grupal, que es el resultado de su co-creación. El teatro, su "Teatro de Conexión", ¿es más sobre el proceso o sobre el resultado? ...

Es imposible dividir el proceso del resultado. Para que el proceso se haga vivo, necesitas una perspectiva. En nuestro caso, es una presentación. La perspectiva dela  función brinda la necesaria emergencia, sencillez y sinceridad al proceso del participante... y también la oportunidad de confiar sin ningún tipo de compromiso el flujo del trabajo, el líder del trabajo y su (s) compañero (s).
 Es muy importante mencionar que la perspectiva dela  función agrega al proceso la calidad del "regalo". La calidad del trabajo mejora cuando sabes que lo que estás haciendo en el proceso debería llevar a una forma interesante que será un "regalo" para el espectador.

5.    Me gustaría saber más sobre el comienzo de su camino... ¿cómo usted comenzó? ¿Qué hizo usted antes del teatro? ¿Quién le inspiró? Sus maestros...

Me gradué de la Facultad de Filosofía, Literatura y Lengua Francesa en la Universidad de Atenas. En general, me canse de este camino académico; Además, mi familia siempre estuvo lejos del arte. Y ya sentí que tenía que descubrir la parte creativa de mi camino, una que no está condicionada por influencias académicas o reglas comerciales. Y el teatro vino a mí a través de varias coincidencias, para dar un nuevo significado a mi vida...

Debo admitir que al principio me molestaba el enfoque narcisista y demostrativo, familiar al mundo del teatro, pero superé esta sombra, descubriendo la existencia de un camino alternativo. Y a esto fui dirigido por Jerzy Grotowski y sus descubrimientos únicos. Estaba muy impresionado con su idea de la misión y del autosacrificio. Y esta idea finalmente me llevó a conectar el teatro con la espiritualidad. Me di cuenta de que cuanto más desarrollas tu trabajo a través del cuerpo, más te abres al mundo del espíritu... a Dios.
También me inspiré del trabajo con Sergei Kovalevich, el director ruso, y del teatro Plavo pozoriste de Serbia. Pero aparte de todo eso, mis profesores principales son mis alumnos y colaboradores ... Incluso diré que me considero un estudiante experimentado ... y que hasta ahora he cometido muchos más "errores" que mis alumnos ...

6.    Cuando pienso en el teatro, lo primero que me viene a la mente es la palabra Ritual. Y me parece que Grotowski trajo esto al teatro, justo como Pina Bausch estaba acentuando esto en el mundo de la danza ... Y luego me viene a la mente que el teatro es un ritual tan ejemplar ... la oportunidad de aprovechar al máximo íntimo - visto. La capacidad de dar al inconsciente una expresión en la forma... ¿Cuál es la importancia del Ritual en el Teatro de Conexión?

Para responder a su pregunta, necesito clarificar cómo interpreto la palabra ritual, y luego el fenómeno en sí mismo. ¿Cuál es la diferencia entre un ritual y una acción no ritualista? Creo que esta diferencia se puede revelar a través del espacio, el tiempo, la forma física y vocal. En términos de tiempo, el ritual se basa mucho en la repetición. A menudo hay un sentido fuerte e incluso total del momento presente. En términos de espacio, predominan las formas geométricas estrictas y claras, comparadas, al menos, con esas de la vida cotidiana. Y la forma física y vocal se asocia muy a menudo con la transformación total. Este enfoque ritualista es central para el Teatro de Conexión: repetición, geometría, transformación.  

7.    Me impresionó mucho el hecho que usted aborda el resultado como un regalo para el espectador. ¿Cuál es la importancia del espectador en el "Teatro de la conexión"?

El teatro, cualquier, no solo el Teatro de la Conexión, es principalmente un encuentro. Encuentro con su mismo, con el compañero, con el público. Incluso si hay solo un espectador, el teatro ya existe. El espectador trae una tercera mirada, gracias a la cual el actor se vuelve más consciente, preciso y lo más importante: ¡generoso en su presencia! El espectador de alguna manera contribuye a la expansión del campo de consciencia del actor ...  

8.    Vamos hablar del espectáculo  "Demiurgia". ¿De qué se trata?...

Demiurgia en griego significa creación. Aquí está el punto principal de referencia. Lo creamos con Sergei Sozin y lo presentamos en San Petersburgo, en Holionino (Bielorrusia), en Atenas y en el futuro cercano se presentará en Kiev y en otros lugares del mundo.
En "Demiurgia" nos interesó explorar los antiguos mitos, zoroastrianos, sumerios, indios, griegos, africanos, estadounidenses, egipcios, tratando directamente o indirectamente el tema de la creación del mundo. Sergei Sozin hizo la primera investigación y luego yo creé la dramaturgia. Finalmente presentamos estos mitos a través de una combinación de narración, uso de instrumentos folclóricos, así como a través de la actuación física y vocal.

9.    Un participante posible de su taller en Kiev me preguntó "¿qué haremos? ... Parece hermoso, pero no me queda claro". Quería responder... y luego decidí hacerle esta pregunta. Si usted tiene palabras disponibles, descríbame usted nuestro futuro retiro urbano: ¿qué sucederá allí? ¿Qué será más? ¿Entrenamiento teatral? ¿O práctica espiritual? ¿O auto investigación psicológica?

En primer lugar, crearemos juntos un ambiente de familia, para que todos se sientan seguros. Nos familiarizaremos con los principales elementos físicos y vocales del entrenamiento del Teatro Atropos y gradualmente integraremos en el proceso material individual y grupal relacionado con el tema "Eros-amor". Al final, construiremos una pequeña estructura, un espectáculo que presentaremos a nuestros huéspedes. Este es un proceso teatral, sí, pero hay una dimensión psicológica, así como espiritual. Si alguien está buscando nuevos conocimientos, técnicas y trucos teatrales, y no esta listo y disponible abrirse a lo desconocido, es mejor no participar.

10. ¿Cuál es el rolo del inconsciente en el proceso creativo? ¿Qué activa la creatividad y qué bloquea el flujo?

Entrar en el inconsciente es la condición primordial del proceso creativo. Ya cuando alguien decide tratar con el arte, sale de la esfera consciente, abriéndose a lo desconocido, a lo no manifestado, a lo olvidado. Pero, por otro lado, quiero subrayar que a menudo las personas confunden el material en sí, con la forma en que se expresa. La forma de expresar lo que se manifestó, "con sudor y sangre en la oscuridad", debe ser 100% consciente. Y esto es exactamente lo que define la libertad del artista, el hecho de que él mismo elige conscientemente sus instrumentos, el lenguaje, las formas físicas y vocales, para dar forma a los frutos de su alma y espíritu.
Y esto, a su vez, lleva a lo siguiente: el artista, a imagen y semejanza de Dios, despliega en sus aspectos artísticos el Espíritu, su naturaleza divina. Como la creatividad pertenece a la naturaleza de lo divino, él manifiesta lo divino. Y cuanto más nos damos cuenta de esto, más humildes abordamos nuestro material, nuestros compañeros  y los líderes del proceso, dado que la arrogancia y la vulgaridad son los mayores obstáculos en el camino de la creación.
Sin mencionar también los 3 obstáculos más importantes en el proceso creativo: la pereza, la distracción y la impaciencia. Pero hablaremos más sobre esto durante el taller.

(( Ελληνικά))

1.    Ονομάζετε τη φιλοσοφία και το σύστημα δουλειά σας  "Θέατρο της Σύνδεσης" . ... Ποιόν θεωρείτε τον εαυτό σας; Έναν περφόρμερ; Έναν σκηνοθέτη; Έναν ηθοποιό;

Το "Θέατρο Σύνδεσης" είναι η πρακτική μου προσέγγιση στο θέατρο και ταυτόχρονα ο όρος για να περιγράψω το όραμα και τη φιλοσοφία μου για τη ζωή. Εργάζομαι ως εκπαιδευτής ηθοποιών, σκηνοθέτης και μερικές φορές ως καλλιτέχνης. Αλλά, αυτό που είναι σημαντικό να σημειωθεί είναι ότι ένας άνθρωπος του θεάτρου είναι πρώτα απ 'όλα ένα πρόσωπο που δουλεύει πάνω στην προσωπική του ανάπτυξη δια βίου.

2.    Πώς ξεκίνησαν όλα; .. Πώς το ταξίδι σας οδήγησε στο Θέατρο και στο μονοπάτι
ζωής που ακολουθείτε;

Η λέξη «ταξίδι»  είναι η λέξη "κλειδί", γιατί για μένα το θέατρο είναι κατά κύριο λόγο ένα ταξίδι. Με άλλα λόγια, μέσα από το θέατρο βρήκα έναν τρόπο να ξεπεράσω τους περιορισμούς των κοινωνικών κανόνων και της υλικής διάστασης της καθημερινής ζωής. Χάρη στο θέατρο, μπορώ να κινηθώ ελεύθερα, να γνωρίσω άλλους ανθρώπους, άλλους πολιτισμούς, άλλα μέρη ... και όλα αυτά οδηγούν στην ενεργοποίηση της εσωτερική κίνησης, ανοίγουν χώρο για να δημιουργήσουν νέα θέματα, να τεθούν νέα ερωτήματα ... Και ένα ακόμη πράγμα: το θέατρο είναι ένας τόπος όπου μπορώ να αναπτύξω τον εαυτό μου με το "να είμαι μαζί και μόνος".

3.    Μπορείτε να μου εξηγήσετε λίγο περισσότερο ... τι σημαίνει "να είσαι μαζί και μόνος;" Και ποιος είναι ο σκοπός ... της προσέγγισής σας στο θέατρο;

Το θέατρο μας δίνει την ευκαιρία να συναντηθούμε με άλλους έξω από τους κανόνες και τα πλαίσια της κοινωνικής ζωής. Μέσω της μεταμόρφωσης, μέσω της συνειδητής χρήσης του εσωτερικού παιδιού, μέσω της ποίησης και της μουσικής, ο ηθοποιός-άνθρωπος ανακαλύπτει ένα νέο επίπεδο αυθορμητισμού και επιτρέπει τους καρπούς αυτής της αλλαγής να τον κάνουν να επανεξετάσει τη ζωή του.

Πέρα από αυτό το πλαίσιο, ένα άτομο μαθαίνει να είναι μόνος χωρίς να υποφέρει όταν έρχεται αντιμέτωπος με τη μοναξιά. Αντίθετα, αυτή η μοναξιά-μοναχικότητα και η ανάγκη να κρατήσει  απόσταση τον τροφοδοτούν, του προσφέρουν ηρεμία ... Και αργότερα, σε μια ομάδα, σε έναν συνάδελφο, μπορεί να φέρει τη φρεσκάδα που κατέκτησε- μέσω νέων επιπέδων φυσικών και φωνητικών τοπίων.

Όσον αφορά την προσέγγισή μου, θα έλεγα ότι βασικά πρόκειται για μία βαθιά συνάντηση, η οποία σπάνια συμβαίνει στο πλαίσιο της καθημερινής ζωής.

Μεταφορικά, θέλω να κοιτάξω τον Ήλιο. Αλλά λόγω του γεγονότος ότι δεν μπορώ να τον κοιτάξω ευθέως, επιλέγω να κοιτάξω λίγο πιο δίπλα στο χώρο όπου εμφανίζεται το "Θέατρο Σύνδεσης", έτσι ώστε να αισθανθώ κατά κάποιο τρόπο τί είναι πίσω από τον ήλιο ...

4.    Τι είναι πιο σημαντικό για εσάς, η διαδικασία ή το αποτέλεσμα; Υπάρχει η "Δημιουργία" ... ως αποτέλεσμα προετοιμασίας παράστασης ... Επιπλέον, στο τέλος του εργαστηρίου θεάτρου οι συμμετέχοντες δημιουργούν επίσης μια ομαδική παρουσίαση, η οποία είναι αποτέλεσμα της συν-δημιουργίας τους. Το θέατρο - το "Θέατρο Σύνδεσης", αφορά τη διαδικασία ή το αποτέλεσμα; ...

Είναι αδύνατο να ξεχωρίσουμε τη διαδικασία από το αποτέλεσμα. Για να γίνει η διαδικασία ζωντανή, χρειάζεται προοπτική. Στην περίπτωσή μας, είναι μια παράσταση. Η προοπτική του δομημένου ανοίγματος της δουλειάς φέρνει την απαιτούμενη έκτακτη ανάγκη, την απλότητα και την ειλικρίνεια στη διαδικασία του συμμετέχοντα ... Και επίσης του δίνει τη δυνατότητα να εμπιστευτεί  χωρίς συμβιβασμούς τη ροή της διαδικασίας, τον καθοδηγητή της και τους παρτενέρ του.
 Είναι πολύ σημαντικό να αναφέρουμε ότι η προοπτική της παράστασης προσθέτει στη διαδικασία την ποιότητα του "δώρου". Η ποιότητα της εργασίας βελτιώνεται όταν γνωρίζεις ότι αυτό που κάνεις κατά την έρευνα-πρόβα θα πρέπει να οδηγήσει σε κάποια ενδιαφέρουσα μορφή που θα λειτουργήσει ως "δώρο" για τον θεατή.

5.    Θα ήθελα να μάθω περισσότερα για την αρχή της πορείας σας ... Πώς ξεκινήσατε; Τί κάνατε πριν το θέατρο; Ποιός σας ενέπνευσε; Οι δάσκαλοι σας ...

Αποφοίτησα από το τμήμα Γαλλικής γλώσσας και Φιλολογίας της Φιλοσοφικής  Αθηνών. Ήμουν γενικά «μπουκωμένος»  από την ακαδημαϊκή προσέγγιση της ζωής. Επιπλέον, η οικογένειά μου ήταν πάντα μακριά από την τέχνη. Και ένιωσα ήδη τότε ότι έπρεπε να ανακαλύψω το δημιουργικό κομμάτι της πορείας μου, που δεν εξαρτάται από τις ακαδημαϊκές επιρροές ή από τους επιχειρηματικούς κανόνες. Και το θέατρο ήρθε σε μένα μέσα από διάφορες συγκυρίες, για να προσφέρει νέα σημασία στη ζωή μου ...

Οφείλω να ομολογήσω ότι, στην αρχή, η ναρκισσιστική και επιδειχτική προσέγγιση που είναι γνωστή στον κόσμο του θεάτρου με απωθούσε, αλλά ξεπέρασα αυτή τη σκιά ανακαλύπτοντας την ύπαρξη ενός εναλλακτικού δρόμου στο θέατρο. Και σε αυτό με οδήγησε ο Γέρζι Γκροτόφσκι και οι μοναδικές του ανακαλύψεις . Με κέρδισε η ιδέα της αποστολής και της θυσίας. Και αυτή η ιδέα τελικά με οδήγησε να συνδέσω το θέατρο με την πνευματικότητα. Συνειδητοποίησα ότι όσο περισσότερο εξελίσσεις τη δουλειά σου μέσα από το σώμα, τόσο περισσότερο ανοίγεσαι στον κόσμο του πνεύματος ... στον Θεό.
Εμπνεύστηκα επίσης από τη δουλειά με τον Σεργκέι Κοβαλέβιτς, τον ρώσο σκηνοθέτη, και από το Μπλε θέατρο από τη Σερβία. Αλλά πέρα από αυτά, οι κύριοι καθηγητές μου είναι οι σπουδαστές και οι συνεργάτες μου ... Επιπλέον θεωρώ  τον εαυτό μου περισσότερο έμπειρο μαθητή ... και ότι μέχρι στιγμής έχω κάνει πολύ περισσότερα "λάθη" από τους μαθητές μου ...

6.    Όταν σκέφτομαι το θέατρο, το πρώτο πράγμα που έρχεται στο μυαλό μου είναι η λέξη «Τελετουργικό». Και μου φαίνεται ότι ο Γκροτόφσκι  το εισήγαγε στο θέατρο, όπως αντίστοιχα το έκανε η Πίνα Μπάους  στον κόσμο του χορού ... Και έρχεται στο μυαλό μου η ιδέα ότι το θέατρο είναι ένα τόσο υποδειγματικά τελετουργικό ... η ευκαιρία να κάνεις το ενδόμυχο ορατό. Η δυνατότητα να δίνεις στο ασυνείδητο έκφραση μέσω της μορφής ... Ποιος είναι ο ρόλος του Τελετουργικού στο Θέατρο της Σύνδεσης;

Για να απαντήσω στην ερώτησή σας, πρέπει να διευκρινίσω πώς ερμηνεύω  τη λέξη τελετουργία, και στη συνέχεια το ίδιο το φαινόμενο. Ποια είναι η διαφορά μεταξύ μιας τελετουργικής και μιας μη τελετουργικής δράσης; Νομίζω ότι αυτή η διαφορά μπορεί να αποκαλυφθεί μέσω του χώρου, του χρόνου, της σωματικής και φωνητικής μορφής. Από την άποψη του χρόνου το τελετουργικό βασίζεται πολύ στην επανάληψη. Συχνά υπάρχει μια ισχυρή, απόλυτη σχεδόν αίσθηση της παρούσας στιγμής. Όσον αφορά το χώρο, κυριαρχούν αυστηρές και σαφείς γεωμετρικές μορφές, σε σύγκριση τουλάχιστον με τη συνηθισμένη ζωή. Και η φυσική και φωνητική μορφή συνδέεται πολύ συχνά με την ολική μεταμόρφωση. Η τελετουργική προσέγγιση, λοιπόν, με αυτή την έννοια  είναι κεντρική στο Θέατρο Σύνδεσης:  επανάληψη, γεωμετρία, μεταμόρφωση.

7.    Μου έκανε εντύπωση η άποψη σας ότι η παράσταση είναι ένα  «δώρο» προς τον θεατή. Ποιος είναι ο ρόλος του θεατή στο "Θέατρο Σύνδεσης";

Το θέατρο, οποιοδήποτε - όχι μόνο το Θέατρο Σύνδεσης, είναι κατά κύριο λόγο μια Συνάντηση. Συνάντηση με τον εαυτό, με τον παρτενέρ, με το κοινό. Ακόμη και αν υπάρχει μόνο ένας θεατής - το θέατρο ήδη υπάρχει. Ο θεατής φέρνει μια τρίτη ματιά, χάρη στην οποία ο ηθοποιός γίνεται πιο συνειδητός, ακριβής και το πιο σημαντικό - γενναιόδωρος στην παρουσία του! Ο θεατής συμβάλλει με κάποιο τρόπο στην επέκταση του συνειδητού πεδίου του ηθοποιού ...  

8.    Ας μιλήσουμε για την παράσταση "Δημιουργία". Περί τίνος πρόκειται; ...

Η "Δημιουργία",  σαν τίτλος, περιγράφει κυριολεκτικά το περιεχόμενο της παράστασης. Την παράσταση τη δουλέψαμε  με τον Σεργκέι Σόζιν – οργανοπαίκτη παραδοσιακών οργάνων και αφηγητή - και την παρουσιάσαμε στην Αγία Πετρούπολη, στο Χαλιάνινα (Λευκορωσία), στην Αθήνα και στο εγγύς μέλλον θα παρουσιαστεί στο Κίεβο και σε άλλα μέρη του κόσμου.
Στην "Δημιουργία" μας ενδιέφερε να διερευνήσουμε αρχαίους μύθους – ινδικό, Ζωροαστρικό, Σουμεριακό, Ινδιάνικο, Ελληνικό, Αφρικανικό, Αιγυπτιακό- που προσεγγίζουν  άμεσα ή έμμεσα το θέμα της δημιουργίας του κόσμου. Ο Σεργκέι Σόζιν έκανε την πρώτη δραματουργική έρευνα και στη συνέχεια εγώ δούλεψα πάνω στη θεατρική δομή. Παρουσιάζουμε αυτούς τους μύθους σε ένα συνδυασμό αφήγησης, χρήσης λαϊκών οργάνων, καθώς και σωματικής και φωνητικής δράσης.

9.    Άτομο που ενδιαφέρεται να συμμετάσχει στο εργαστήριο σας στο Κίεβο με ρώτησε "τί θα κάνουμε; .. Ακούγεται όμορφο, αλλά δε μου είναι σαφές ".  Ήθελα να απαντήσω ... και στη συνέχεια αποφάσισα να θέσω απ’ ευθείας σε εσάς αυτήν την ερώτηση. Εάν μπορείτε να δώσετε το στίγμα, περιγράψτε μου το μελλοντικό μας εργαστήριο - τί θα συμβεί; Τί θα είναι περισσότερο - εκπαίδευση του ηθοποιού; Ή πνευματική πρακτική; Ή ψυχολογική αυτό-έρευνα;

Πρώτον, θα δημιουργήσουμε μαζί μια οικογενειακή ατμόσφαιρα, ώστε όλοι να αισθάνονται ασφαλείς. Θα γνωρίσουμε τα βασικά φυσικά και φωνητικά στοιχεία της εκπαίδευσης του θεάτρου Άτροπος και θα ενσωματώσουμε σταδιακά στη διαδικασία ατομικό και ομαδικό υλικό που σχετίζεται με το θέμα «Έρως-αγάπη». Στο τέλος θα χτίσουμε μια μικρή δομή - μια παράσταση που θα παρουσιάσουμε στους καλεσμένους μας. Αυτή είναι σαφέστατα μια θεατρική διαδικασία, αλλά υπάρχει μια ψυχολογική και πνευματική διάσταση. Αν αναζητεί κάποιος νέες γνώσεις, τεχνικές καθώς και θεατρικά μυστικά και κόλπα ή απλά να περάσει καλά και όχι να ανοίξει τον εαυτό του στο άγνωστο - καλύτερα τότε να μην συμμετάσχει.

10. Ποιος είναι ο ρόλος του ασυνείδητου στη δημιουργική διαδικασία; Τί ενεργοποιεί τη δημιουργικότητα και τί μπλοκάρει τη ροή;

Η είσοδος  στη σφαίρα του ασυνείδητου αποτελεί  προϋπόθεση της δημιουργικής διαδικασίας. Ήδη όταν κάποιος αποφασίζει να ασχοληθεί με την τέχνη, κάνει ένα  βήμα υπέρβασης, έξω από τη συνειδητή σφαίρα, ανοίγοντας τον εαυτό του στο άγνωστο, στο ανεκδήλωτο, στο ξεχασμένο. Αλλά από την άλλη θέλω να υπογραμμίσω ότι συχνά οι άνθρωποι συγχέουν το ίδιο το υλικό, με τον τρόπο που εκφράζεται. Ο τρόπος για να εκφράσει αυτό που εκδηλώθηκε, «με ιδρώτα και αίμα στο σκοτάδι», θα πρέπει να είναι 100% συνειδητός. Και αυτό ακριβώς ορίζει την ελευθερία του καλλιτέχνη, το γεγονός ότι ο ίδιος επιλέγει συνειδητά τα όργανα, τη γλώσσα, τις φυσικές και φωνητικές μορφές του, προκειμένου να δώσει μορφή στους καρπούς της ψυχής και του πνεύματος του.
Και αυτό, με τη σειρά του, οδηγεί στα εξής: ο καλλιτέχνης, κατ’ εικόνα και καθ’ ομοίωση του Θεού, ξετυλίγει μέσω της τέχνης  του τις πτυχές του Πνεύματος, της θεϊκής του φύσης. Δεδομένου ότι η δημιουργικότητα ανήκει στη φύση του θεϊκού, εκδηλώνει το Θεϊκό. Και όσο περισσότερο συνειδητοποιούμε αυτό, τόσο πιο ταπεινά προσεγγίζουμε το υλικό μας, τους συναδέλφους  μας και τον καθοδηγητή της διαδικασίας με δεδομένο ότι η αλαζονεία και η χυδαιότητα είναι τα μεγαλύτερα εμπόδια στη διαδρομή της δημιουργίας.

Για να μην αναφερθώ και στα 3 πιο σημαντικά εμπόδια στη δημιουργική διαδικασία: στην τεμπελιά, στην απόσπαση της προσοχής και στην ανυπομονησία. Αλλά θα μιλήσουμε περισσότερο γι' αυτά κατά τη διάρκεια του εργαστηρίου…

  

**** A radio interview of Stamatis Efstathiou in the international section of the Athens municipal radio station on the occasion on one of his workshops in Greek and in English here

Photo made by Artiom Korienuk

### Stamatis Efstathiou interview at independent.gr (June 2014) in Greek, English, Russian and Spanish >>>>>

    1.       Η  Άτροπος, το θέατρο του οποίου ηγείστε, δεν είναι ένα θέατρο ρεπερτορίου. Πώς θα χαρακτηρίζατε τη δουλειά σας; 

  Είναι αλήθεια ότι αντανακλαστικά συνδέουμε εξορισμού το θέατρο με κάποιο κείμενο και μάλιστα με ένα κείμενο που υπάρχει πριν από μας ..για μας.  Όμως το κείμενο, κατά τη δική μου προσέγγιση, είναι μόνο ένας από τους πολλούς ισοδύναμους παράγοντες της θεατρικής έρευνας και δημιουργίας. Η δουλειά στην Άτροπο, ξεκινάει συνήθως με το θέμα, το οποίο αντλείται από μακροπρόθεσμες θεματικές έρευνας. Χρησιμοποιώ σαν σκηνοθέτης και δάσκαλος συγκεκριμένη μέθοδο δουλειάς, το Θέατρο της Σύνδεσης, που δίνει έμφαση στη συνεχή άσκηση και εξέλιξη του ηθοποιού πριν καν μπει στη διαδικασία κτισίματος της παράστασης. Η μουσικότητα κάθε φάσης της δουλείας είναι ζητούμενο ενώ και η εσωτερική μουσική που κάθε ηθοποιός καταθέτει ορίζει τη διαδικασία. Στο Θέατρο της Σύνδεσης δεν με ενδιαφέρει τόσο το ταλέντο, όσο η θέληση για μετατόπιση επιπέδου.

ATROPOS is not a conventional drama theatre. How would you characterize your work?

It is true that we are used to associate theatre process with some text and even base it on a text without a second thought, and especially on the texts that existed even before us… for us. Nevertheless, according to my approach, the text is just one of many different equally important factors of theatrical research and creation. The work in Atropos usually starts with a topic, which is taken from long term research themes. As a director and master I use a precise working method, the Theatre of Connection, which emphasizes lifelong actor’s training and human’s development even before he enters in the process of building a performance. I also create the conditions of every working phase in order for the musicality to appear, and at the same time I invite the inner music of every actor to define the process. In this Theatre, in the Theatre of Connection, the talent is not as important as the will to change level.

ATROPOS – это не традиционный драматический театр. Как бы Вы охарактеризовали Вашу работу?

Дело в том, что мы привыкли ассоциировать театральный процесс с текстом, даже видим в тексте основу этого процесса, особенно в тех текстах, которые существовали до нас… для нас. Однако согласно моему подходу текст является лишь одной из одинаково важных движущих сил театрального исследования и созидания. Работа в Atropos обычно начинается с темы, взятой из наших долгосрочных исследований. Как режиссёр и преподаватель я использую определённый метод работы – Театр Взаимосвязи, который подчёркивает важность того факта, что актёр тренируется всю жизнь и развивается как человек ещё до вступления в фазу построения спектакля. Также в каждой фазе работы я создаю условия для появления музыкальности, и в то же время приглашаю внутреннюю музыку каждого актёра задавать процесс. В этом театре, в Театре Взаимосвязи, не столь важен талант, как желание сменить уровень.

ATROPOS no es un teatro de drama convencional. ¿Cómo caracterizaría usted su trabajo?

Es cierto que estamos acostumbrados a asociar el proceso de teatro con algun texto e incluso basarlo en un texto sin pensarlo dos veces , y sobre todo en textos que existían incluso antes de nosotros ... para nosotros. Sin embargo, según mi acercamiento, el texto es sólo uno de muchos diferentes factores igualmente importantes de la investigación teatral y de la creación. El trabajo en Atropos generalmente empieza con un tema , que se toma de los temas de investigación a largo plazo. Como director y maestro uso un método de trabajo preciso, el Teatro de la conexión, que hace hincapié en la formacion del actor durante toda su vida  y en el desarrollo del ser humano , incluso antes de que entreen el proceso de creación de la obra . También creo  las condiciones de cada fase de trabajo para que la musicalidad apareca, y al mismo tiempo, invito a la música interior de cada actor para definir el proceso . En este teatro , en el Teatro de la conexión, el talento no es tan importante como la voluntad de cambiar de nivel.

2.       Η τέχνη σας αντανακλά σημαντικά, σύγχρονα κοινωνικά θέματα; Πιστεύετε ότι ένας καλλιτέχνης πρέπει να είναι κοινωνικά ή πολιτικά ενεργός; 

Ο καλλιτέχνης σε αντίθεση με τον δημοσιογράφο, τον πολιτικό και τον πάσης φύσεως ινστρούχτορα οι οποίοι έχουν λίγο πολύ άποψη για όλα, δουλεύει πάνω σε «εμμονές». Σε προσωπικές εμμονές που αναπόφευκτα περιλαμβάνουν βέβαια και το κοινωνικό περιβάλλον στο οποίο γεννήθηκαν. Συνεπώς το υλικό μου αγναντεύει από ψηλά την επικαιρότητα αλλά την προσπερνά για να μιλήσει για τη διαχρονική ουσία της ανθρώπινης φύσης και για τις αντιφάσεις της. Η δικές μου εμμονές καλύπτουν φάσμα δεκαετίας και … βάλε: «Ξεκοκαλίζω» τις θεματικές της Αναμονής, της Ουτοπίας, της Μεταμόρφωσης και της Αλήθειας. Και βέβαια αντί για  απαντήσεις αναζητώ ενδιαφέρουσες ερωτήσεις…

Does your art reflect burning issues of our society? Do you believe that an artist should be socially or politically active or rather stay away?

An artist, as opposed to a journalist, a politician and every kind of guru who more or less has an opinion about everything, works on “obsessions”, on their own obsessions. On obsessions that inevitably include the social environment in which they were born. Therefore, my material scans the actuality from above, but it overpasses it in order to talk about the eternal substance of the human nature and its contradictions. My obsessions cover a range of ten years and more: I dig into the themes of Waiting, of Utopia, of Metamorphosis (transformation in Greek) and of Aletheia (truth in Greek). And of course instead of answers I search for interesting questions…

Отражает ли Ваше искусство острые общественные проблемы? Считаете ли Вы, что художник должен активно участвовать в общественно-политических делах или же скорее быть в стороне от всего этого?

Человек искусства, в отличие от журналистов, политиков или любых видов гуру, у которых на всё есть своё мнение, работает над своими «одержимостями». Эти одержимости неизбежно впитывают в себя социальную среду, в которой они родились. Так что моя работа изучает действительность, но переходит за её границы, чтобы вести речь о вечной сути человеческой природы и её противоречиях. Вот темы, которыми я одержим уже более десяти лет: Ожидание, Утопия, Метаморфозы и Алифия («Истина» по-гречески). И, конечно, вместо ответов я ищу интересные вопросы…

¿Su arte refleja temas candentes de nuestra sociedad ? ¿Cree usted que un artista debe ser socialmente o políticamente activo o prefería estar lejos ?

Un artista , en oposición a un periodista , un político y todο tipo de gurú quien más o menos tiene una opinión sobre todo, trabaja en " obsesiones " , en sus propias obsesiones. En obsesiones que incluyen inevitablemente el entorno social en el que ha nacido . Por lo tanto , mi materia explora la realidad de lo alto, pero la sobrepasa con el fin de hablar sobre la sustancia eterna de la naturaleza humana y sus contradicciones. Mis obsesiones cubren una gama de diez años y más : cavo en los temas de la espera, de la utopía , de la metamorfosis (transformación en griego) y de Aletheia (la verdad en griego). Y , por supuesto, en lugar de respuestas busco para preguntas interesantes ...
 

3.        Η κρίση έχει επηρεάσει τη δουλειά σας στο θέατρο;   

Η δουλειά μου στο θέατρο ήταν και είναι πάντα σε κρίση, σε διαρκή πάλη, αναζήτηση και αναθεώρηση. Γεμάτη λάθη, πτώσεις και επανεκκινήσεις. Όχι όμως σε παρακμή…

Has the crisis affected your theatre work and how?

My work in theatre is always going on under crisis, under permanent fight, research and reconsideration. Full of mistakes, falls and restarts. But never in decadence…

Повлиял ли кризис на вашу театральную работу, и каким образом?

Моя работа в театре всегда проходит в состоянии кризиса, постоянной борьбы, поиска и переоценки. С множеством ошибок, падений и возобновлений. Но никогда в состоянии декаданса.

  

¿Ha afectado la crisis a su trabajo en el teatro y cómo?

Mi trabajo en el teatro es siempre sobre la crisis , en lucha permanente , en investigación y en reconsideración . Lleno de errores, caídas y reinicios. Pero nunca en decadencia ...

4.        Τι μέλλον βλέπετε στην ελληνική κοινωνία;  

Συνεχίζοντας την προηγούμενη μου απάντηση: Η Ελλάδα βλέπει την παρακμή της στον καθρέφτη αλλά αντί να την αντιμετωπίσει με δομική αλλαγή του τρόπου ζωής της καταφεύγει σε πλαστικές επεμβάσεις. Το θλιβερό και ανησυχητικό είναι είτε ότι καμωνόμαστε ότι την ξεπερνάμε(!) ξορκίζοντας τον «κακό τον λύκο», τις διεθνείς συνωμοσίες, το κεφάλαιο, τους κακούς πολιτικούς,  μιας και ούτως ή άλλως είμαστε ο «περιούσιος λαός», είτε ότι εναποθέτουμε τις  ελπίδες μας στη βία, στον λαϊκισμό και στον μεσσιανισμό. Το μόνο μέλλον που βλέπω αναδύεται μακριά από τη μεγαλούπολη, σε άμεση επαφή και ισότιμη σχέση με τη φύση. Αυτό το μέλλον φωτίζεται από κάποιους «μισότρελους» της τέχνης, της τεχνολογίας, της αθόρυβης ατομικής πρωτοβουλίας, από ανθρώπους που μιλάνε λίγο, ακούνε περισσότερο και ακόμα περισσότερο  πράττουν.

What kind of future do you see for Greek society?

 Continuing my previous answer: Greece stares in the mirror of its decadence, and instead of radically changing its way of life it simply befools itself by doing plastic surgeries. What is sad is that either we pretend having overpassed the decadence by cursing the “bad wolf” - international conspiracies, capital, bad politicians - since anyway we often consider ourselves the “chosen people”, or we pin our hopes on violence, on populism and on messianism.  The only future I can see is growing far from big city, in close connection and equal relations with nature. This future is illuminated by some “half-crazy” people of art, of technology, of modest individual initiative, by people who speak little, they listen more and they act even more.

Какое будущее Вы видите для греческого общества?

Продолжая свой предыдущий ответ: Греция смотрит в зеркало своего упадка, но вместо того, чтобы радикально менять свою жизнь, она обманывает себя, делая пластические операции. Печально то, что мы либо притворяемся, что вышли из декаданса, обвиняя во всём «страшного серого волка» - международные заговоры, капитал, плохих политиков – так как мы всё равно часто считаем себя «избранным народом», - либо возлагаем надежды на насилие, на популизм и на мессианство. Единственное будущее, которое я вижу, закладывается вдали от больших городов, в близкой связи и в равных отношениях с природой. Это будущее освещено «полусумасшедшими» людьми искусства и техники, знающими, что такое скромная личная инициатива. Людьми, которые мало говорят, а больше слушают и ещё больше делают.

¿Qué futuro ve usted para la sociedad griega ?

Continuando mi respuesta anterior : Grecia se queda mirando en el espejo su decadencia , y en lugar de cambiar radicalmente su forma de vida simplemente engana a su mismo  haciendo cirugías plásticas . Lo que es triste es que, o bien se pretende haber sobrepasado la decadencia maldiciendo el " lobo malo " - conspiraciones internacionales , el capital, los malos políticos - ya que de todas formas que a menudo nos consideramos el "pueblo elegido " , o podemos depositar nuestras esperanzas en la violencia , en el populismo y el mesianismo . El único futuro que puedo ver está creciendo lejos de la gran ciudad, en estrecha conexión y dentro de relaciones de igualdad con la naturaleza. Este futuro es iluminado por algunas personas " medio locos " del arte , de la tecnología, de la simple iniciativa individual , por personas que hablan poco , se escuchan más y actúan aún más.

5.        Κατά τη γνώμη σας ποιο είναι το μεγαλύτερο ελάττωμα της ελληνικής κοινωνίας;

Η παρελθοντολαγνία : Αντί για σοφία αντλούμε φοβίες, ιδεοληψίες  και συμπλέγματα από το παρελθόν που εμποδίζουν την εξέλιξη και έλευση του καινούργιου ή έντεχνα το αναπαλαιώνουν.   Το  δεύτερο ο μεγαλοϊδεατισμός. Θέλουμε τα μεγάλα αποφεύγοντας πρώτα να καταπιαστούμε με τα μικρά. Και το τρίτο και ίσως και το πιο σημαντικό: ο μανιχαϊσμός, η τάση δηλαδή να χωρίζουμε διχαστικά και δογματικά τα πάντα σε καλό και κακό (έθνος, θρησκεία, ομάδα, οικογένεια, ιδεολογία, απλή γνώμη κτλ)

In your opinion, what is the biggest vice of our society?

The past mania: Instead of wisdom what we take from the past is phobias, dogmatism and complexes which block the evolution and everything new or tend to artfully renovate it. The second is the expansionism. We want the big avoiding first to grip the small. And the third one and maybe the most important is the manichaeism, the tendency to dogmatically divide everything into good and bad (nation, religion, sport team, family, ideology, simple opinion, etc.)  

Что, по-Вашему мнению, является главным пороком нашего общества?

Мания прошлого: вместо мудрости мы берём из прошлого фобии, догматизм и комплексы, которые блокируют эволюцию и всё новое, либо хитрым образом пытаются это новое изменить. Второе – это экспансионизм. Мы хотим всего большого, избегая сначала хвататься за малое. Третье, и, пожалуй, самое важное – это манихейство, тенденция догматично разделять всё на хорошее и плохое (нации, религии, спортивные команды, семьи, идеологию, мнения и т.д.).

En su opinión, ¿cuál es el mayor vicio de nuestra sociedad ?

La manía del pasado: En lugar de la sabiduría lo que tomamos del pasado es fobias , dogmatismo y complejos que bloquean la evolución y todo lo nuevo o tienden a renovar astutamente ella. El segundo es el expansionismo . Queremos lo que es gran evitando trabajar primero con lo que es pequeno. Y el tercero y quizás el más importante es el maniqueísmo , la tendencia a dividir dogmáticamente todo en bueno y malo ( nación , religión, equipo de deporte , la familia, la ideología, la simple opinión , etc )
 

   

6.        Έχετε δουλέψει και συνεχίζετε να δουλεύετε με ανθρώπους με διαφορετική εθνική προέλευση και πολιτιστικές καταβολές. Τι είναι αυτό που σας κάνει να αναζητάτε διεθνείς συνεργασίες; Η συνεργασία με συμπατριώτες σας δεν σας είναι ενδιαφέρουσα ;  

Διευκρινίζω ότι δεν εξαιρώ τους Έλληνες από τη δουλειά μου. Η δική μου Ελλάδα μπολιάζεται από παντού. Είναι σε διαρκή εξέλιξη, δεν είναι κάτι δεδομένο και στατικό. Είναι συνεχώς μέσα μου, στο λόγο μου, στη σκέψη μου, στο μέτρο και στο πάθος μου. Οι συνεργασίες που κάνω είναι καταρχάς συναντήσεις σε ανθρώπινο επίπεδο που αναπτύσσονται μέσα από τη θεατρική γλώσσα. Γι’ αυτό και ουσιαστικά η ζωή μου ήταν και είναι μια περιπλάνηση ανάμεσα σε πολιτείες και ανθρώπους ανάμεσα στους οποίους εγώ δε βλέπω σύνορα αλλά δεσμούς.  Στη διαφορετικότητα της γλώσσας και των καταβολών ανακαλύπτω πλούτο, ο  οποίος στο τέλος τέλος αναδεικνύει από τη μια τη δική μου Ελλάδα, γεμάτη φως και πνευματικότητα και από την άλλη τον άνθρωπο στις διαφορετικές εκδηλώσεις του αλλά και στη μια και απαράλλαχτη υπαρξιακή του αγωνία.

You have worked with people from different nations and backgrounds. What made you search for international collaborators, was working with your fellow countrymen not so interesting for you?

I need to make clear that I do not exclude Greeks from my work. My own Greece is inoculated from everywhere. It is constantly evolving, it is neither something given nor static. It is constantly inside me, in my speech, in my measure and in my passion (“metro kai pathos” in Greek). My collaborations are first of all meetings in a basic and simple human level, which then develop through the theatre language. That’s why my life has always been basically a wandering among states and people, where I do not see borders but links.  In the diversity of language and of origins I discover richness, which on one hand makes me realize my own Greece, full of light and spirituality, and on the other hand - the human being in its various manifestations and in its eternal, universal existential agony.

Вы работали с людьми разного происхождения и разных наций. Что заставило Вас искать международных партнёров - работа с соотечественниками для Вас не так интересна?

Должен сказать, что я не исключаю греков из своей работы. Я прививаю свою собственную Грецию всюду. Она постоянно развивается, она не является данностью или чем-то статичным. Она постоянно внутри меня, в моей речи, в моём чувстве меры и в моей страсти (“metro kai pathos” по-гречески). В моей совместной работе с другими людьми в первую очередь важны встречи на простом человеческом уровне, которые затем развиваются через язык театра. Поэтому моя жизнь всегда была блужданием между странами и людьми, и я вижу не границы, а связующие звенья. В разнообразии языков и происхождений я нахожу богатство, которое с одной стороны даёт мне осознать мою собственную Грецию, полную света и духа, и с другой – человеческое существо в его разнообразных проявлениях и в его вечном вселенском экзистенциальном страдании.

Usted ha trabajado con gente de diferentes países y procedencias. ¿Qué le hizo buscar colaboradores internacionales , trabajando con sus compatriotas no estaba tan interesante para usted ?

Tengo que dejar claro que no excluyo Griegos de mi trabajo . Mi propia Grecia esta inoculada desde todas partes. Está en constante evolución , no es ni algo dado ni estático. Es constantemente dentro de mí, en mi discurso , en mi medida y en mi pasión ( " metro kai pathos " en griego). Mis colaboraciones son en primer lugar encuentros en un nivel humano básico y simple , que luego se desarrollan a través del lenguaje teatral . Es por eso que mi vida siempre ha sido , básicamente, una errancia entre los estados y los pueblos , donde no veo fronteras sino enlaces. En la diversidad de la lengua y de los orígenes descubro riqueza , que por un lado hace que me doy cuenta de mi propia Grecia, lleno de luz y de espiritualidad , y por otro lado - del ser humano en sus diversas manifestaciones y en su eterna agonía existencial y universal .

 

7.        Οι βασικοί σας συνεργάτες εδώ και αρκετό καιρό είναι Ρώσοι. Γιατί σας αρέσει να δουλεύετε με Ρώσους;    

Για την ακρίβεια μου αρέσει σίγουρα να δουλεύω με τους συγκεκριμένους Ρώσους. Μπορώ να μιλήσω για τη Σβετλάνα, τη Σόφια, τον Ιλιά, τη Ζένια, τη Νάστια, τον Ρομάν, κτλ.  Γενικά σχετίζομαι με την κοσμολογία του κάθε ατόμου ξεχωριστά και όχι με ένα έθνος συνολικά…

Your main collaborators and performers now are Russian. Why do you like working with Russians?

Actually, I like for sure to work with these precise Russians. In general, I connect with the cosmology of an individual and not with a whole nation…

Ваши главные коллеги и актёры сейчас – русские. Почему Вам нравится работать с русскими?

На самом деле, мне нравится работать с этими конкретными русскими. В общем говоря, я строю связи с космологией каждого отдельного человека, а не нации.

Sus principales colaboradores y actores son ahora de Rusia . ¿Por qué le gusta trabajar con rusos?

En realidad , me gusta seguro trabajar con estos rusos precisas. En general , me conecto con la cosmología de un individuo y no con toda nación entera...

8.       Πιστεύετε ότι η Ελλάδα με τη Ρωσία έχουν πολλά κοινά;    

Στερεοτυπικά μιλώντας οι δύο κοινωνίες συναντώνται στα αντιαμερικανικά και αντιγερμανικά  αντανακλαστικά τους καθώς και στην μεγάλη ιδέα του Έθνους. Το βαρύ πνευματικό και πολιτιστικό παρελθόν τόσο στους Ρώσους όσο και στους Έλληνες συχνά δίνει αυτάρκεια, ώθηση και βάθος αλλά συχνά φέρνει και αλαζονεία με στενό ορίζοντα.

Do you think that Greece and Russia have a lot in common?

Stereotypically talking, these two societies cross each other in their anti-American and recently anti-German reflexes as well as in their idea of Big and glorious Nation. Rich cultural and spiritual past of both Russians and Greeks often offers self-sufficiency, impetus and depth, but also brings arrogance and narrow horizon.

Считаете ли Вы, что у Греции и России есть много общего?

Обращаясь к стереотипам, два этих общества пересекаются в своём анти-американском и в последнее время анти-немецком настрое, а также в своей идее Великой и славной Нации. Богатое культурное и духовное наследие России и Греции дарит им самодостаточность, стимулы и глубину, но в то же время приносит высокомерие и узость горизонта.

¿Cree que Grecia y Rusia tienen mucho en común?

Hablando de manera stereotypica, estas dos sociedades se cruzan en sus reflejos anti-estadounidenses y, recientemente, antialemánes , así como en su idea del grande y gloriosa Nación. El pasado cultural y espiritual rico de ambos rusos y griegos a menudo ofrece autosuficiencia , impulso y profundidad , pero también trae arrogancia y horizonte estrecho.  

9.        Ένας καλλιτέχνης και ένας άνθρωπος πίσω από την τέχνη του είναι διαφορετικοί άνθρωποι; Πώς η θεατρική δουλειά σας αντανακλά τις καλλιτεχνικές σας αξίες;  

Εάν μιλάμε για μια τέχνη που δεν βασίζεται στην διασκεδαστική της διάσταση αλλά στις πνευματικές τις προεκτάσεις τότε δεν μπορεί παρά να είναι αδιαχώριστο το δημιούργημα από τη ζωή του καλλιτέχνη. Βέβαια ο καλλιτέχνης αναπόφευκτα βιώνει την κόλαση ή τουλάχιστον τα αδιέξοδα της ζωής. Άλλοι βέβαια απλά τα επιδεικνύουν όλα αυτά και άλλοι αγωνίζονται για την ποίηση και το φως.

An artist and a human being behind the art are different people or not? How does your theatre work reflect your art values?

If we talk about art which is not based on its entertaining side but rather on its spiritual dimension, then the creation of art cannot be separated from the life of the artist. Of course the artist passes through the experience of hell or at least the hardness of life. Some artists choose to demonstrate these experiences and some other fight for poetry and light.

Художник и человек, стоящий за художником, - это одна и та же личность или нет? Насколько Ваша театральная работа отражает Ваши ценности в искусстве?

Если говорить об искусстве, основанном не на развлечении, а на том, что связано с духом, тогда созидание искусства не может быть отделено от жизни художника. Конечно, художник проходит через ад или, по крайней мере, через трудности жизни. Некоторые художники решают продемонстрировать этот опыт, другие борются за поэзию и свет.

Un artista y un ser humano detrás de la técnica son diferentes personas o no ? ¿Cómo su trabajo en el teatro refleja sus valores artísticos ?

Si hablamos de arte que no se basa en su lado de entretenimiento , sino en su dimensión espiritual, entonces la creación de arte no puede ser separada de la vida del  artista. Por supuesto, el artista pasa a través de la experiencia del infierno , o al menos de la dureza de la vida. Algunos artistas eligen demostrar estas experiencias y algunos otros luchan para la poesía y la luz.

 

10.    Στο πλαίσιο του KOSMOS PROJECT  η Άτροπος κάνει αποστολές σε απομακρυσμένες περιοχές σε όλο τον κόσμο, σε μέρη όπου οι άνθρωποι διατηρούν ισχυρή επαφή με τις ρίζες τους και την κουλτούρα τους. Για ποιό λόγο μπαίνετε σε αυτές τις «περιπέτειες»;    

Οι αποστολές αυτές δεν έχουν ως κίνητρο τον εξωτισμό ή την αφ΄ υψηλού  παρατήρηση και περισυλλογή υλικού για τις ανάγκες παραστάσεων της Ατρόπου. Είναι η βαθειά μας ανάγκη για επιστροφή στις πηγές. Η πεποίθηση ότι ο καλλιτέχνης πρώτα απ΄όλα πρέπει να δουλεύει με τον εαυτό του, με τη διεύρυνση της ευαισθησίας του.  Και αυτό μπορεί κατεξοχήν να γίνει όταν βρεθεί απογυμνωμένος  από τις βεβαιότητες τις προσωπικές του και των κοινωνικών στερεότυπων που κουβαλάει. Στις απομακρυσμένες, λοιπόν, αυτές περιοχές πάμε περισσότερο για να ξεμάθουμε παρά για να μάθουμε…

In the frame of KOSMOS Project ATROPOS makes expeditions in the remote places, where people keep strong connection to their roots and culture. Do you think we can learn something from them?

The motivation of these expeditions is not exotics or snobbish observation and collection of material for the needs of Atropos creative processes. It is rather our deep need to bend down before the sources and the belief that an artist should first work with himself in order to widen and to deepen his sensitivity. And this can particularly happen if they get rid of their personal certitudes and social stereotypes they carry. Thus, we go in these remote places in order rather to unlearn than to learn.

В рамках проекта КOSMOS театр ATROPOS совершает экспедиции в отдалённые места, где люди сохраняют связь со своими корнями и с культурой предков. Вы считаете, что мы можем чему-то у них научиться?

Мотивация этих экспедиций – не экзотика и не снобистские наблюдения и сбор материала для нужд творческого процесса Atropos. Это, скорее, наше глубокое желание преклониться перед источником и вера в то, что сначала художник должен работать с собой, чтобы расширять и углублять свою чувствительность. И это может произойти, если избавиться от личных предубеждений и носимых нами социальных стереотипов. То есть мы ездим в эти далёкие места скорее не для того, чтобы научиться, а чтобы разучиться.

En el marco del proyecto KOSMOS,  ATROPOS hace expediciones en lugares remotos, donde las personas mantienen una fuerte conexión con sus raíces y su cultura . ¿Cree que podemos aprender algo de ellos ?

La motivación de estas expediciones no es el exótismo o la observación snob y la recogida de material para las necesidades de los procesos creativos de Atropos . Es más bien nuestra profunda necesidad de agacharse antes de las fuentes y la creencia de que un artista debe primero trabajar con ellos con el fin de ampliar y profundizar su sensibilidad. Y esto puede ocurrir sobre todo si se deshace de sus certezas personales y estereotipos sociales que lleva. Por lo tanto , vamos en estos lugares remotos con el fin mas de desaprender en vez de aprender . 

11.   Στο ENERGIA και στο  KARNAVANI δίνετε έμφαση στη σύνδεση της θεατρικής δουλειάς με τις τοπικές κοινότητες. Γιατί;  

Επειδή πιστεύω ότι η τέχνη μας εμπλουτίζεται, ανανεώνεται, επαναπροσδιορίζεται εκεί όπου δεν την υπερπροστατεύουν ή την κατηγοριοποιούν ή την σνομπάρουν: στα φανταχτερά θέατρα,  στους κύκλους των ειδικών και των διανοουμένων, στη ζωή σούπερ-μάρκετ της πόλης. Στο χωριό υπάρχει η ζωτική ανάγκη της συνάντησης. Και αυτό αποκαθιστά την αθωότητα, όπου εμείς παίζουμε για να επικοινωνήσουμε,  χωρίς την αγωνία της αποδοχής μιας και ο μόνος κριτής μας είναι ο Θεός και …. τα πνεύματα της φύσης και των ονείρων…

In ENERGIA and in CARNAVANI Projects you emphasize the connection of theatre work with the local community. Why?

Because I believe that our art is enriched, renewed and redefined in places where it is neither overprotected nor categorized or snubbed like in in garish theatres, in intellectual cycles, in super-market city life. What dominates in the village is the crucial need to meet. And it re-establishes the innocence in places where we play our theatre, our life in theatre, in order to communicate, without being stressed to be accepted, since at the end our only judge is God and… the spirits of nature and of dreams…

В проектах ENERGIA и CARNAVANI Вы делаете акцент на связи театральной работы с местной общиной. Почему?

Потому что я считаю, что наше искусство обогащается, обновляется и переопределяется в местах, где его ни чересчур защищают, ни категоризируют, ни смотрят на него свысока, как в помпезных театрах, интеллектуальных кругах и супермаркетовской городской жизни. В деревне главенствует желание знакомства. И оно восстанавливает чистоту там, где мы занимаемся нашим театром, нашей жизнью в театре, чтобы общаться и не волноваться из-за того, примут нас или нет, ведь в конце концов наш единственный судья – это Бог… и духи природы и снов.

En ENERGIA y en KARNAVANI enfatizan en la conexión del trabajo teatral con las comunidades locales . ¿Por qué?

Porque creo que nuestro arte se enriqua , se renova , se redefine en lugares que no esta sobreprotegida o categorizada o rechazada : en los cines de lujo , en los círculos de especialistas e intelectuales , en la vida “supermercado” de la ciudad. En el pueblo hay una necesidad vital para el encuentro. Y  en ese marco se restaura la inocencia, donde jugamos para comunicar, sin la agonía de la aceptación, porque al fin  el unico juez es  Dios y .... los espíritus de la naturaleza y de los sueños ...

     

12.    Ποιο είναι το νόημα της ζωής;     

Σήμερα είναι αυτό, αύριο είναι άλλο.. Σίγουρα πάντως μια αγκαλιά, ο ανοιχτός ορίζοντας και ένα «συγνώμη» βοηθάνε…

What is the meaning of life?

Today it is this, tomorrow it is something else. For sure, a hug, a song, the open horizon and one “forgive me” help…

  

В чём смысл жизни?

Сегодня в одном, завтра – в другом. Но точно объятие, песня, открытый горизонт и «прости» могут помочь.

¿Cuál es el significado de la vida ?

Hoy es esto, mañana es otra cosa. Por supuesto , un abrazo , una canción, el horizonte abierto y uno " perdóname " ayudan ...

[Ниже - текст на русском]  

Performance hits only once, but with a great force

Photo made by Dasha Nikiphorova

How I tried myself in theatre

18.03.2014

by Andrey Sergeev

Some kind of tradition has formed recently in my life. Every year I meet with Stamatis Efstathiou, a theatre director from Greece, and write about this meeting. Last year it was an interview with him, two years ago – an article about the presentation of his workshop and his solo-performance. This year I finally felt ready and decided to attend his workshop that took place in our city. I will not write details about exercises and other technical moments – it’s rather a story about my impressions and further aftertaste.

RITUALS AND BASEMENTS

“Utopia” was the name of the workshop that Stamatis led this year in Saratov. This project is a part of big “Tetraptycho” which apart from “Utopia” consists of “Waiting”, “Metamorphosis” and “Aletheia” (“Truth”).

Everything in Stamatis wins over you: precision in thoughts, delicacy, steadfastness, discipline and at the same time warmth. In end of each working day by all means he will tell you “Thank you” and even hug you. But during work he is your coach. The rehearsals never start late – if the schedule says at 7pm, then at 7pm, maximum at 7:10pm considering possible traffic jams. The one who is late breaks the training process by definition. That’s why everybody comes on time. Another important condition: no joking. If you want to joke – go to another room and laugh there. In the long run, it’s not a student theatre club. 

As for another room, by the way: we worked in a studio of experimental theatre “Na grani” (“On the verge”), in the beginning of Kiseleva street that is famous for its basements and funeral services. We, naturally, worked in the basement. As Stamatis would admit later, it was the most difficult space he had ever worked in: a small closed area, huge columns that cut almost one third of the space. It was nothing like spacious working halls, but quite convenient in the terms of dislocation – the very centre of the city.

TIREDNESS

In the beginning of the first day Stamatis says that now we will start doing exercises. Old-timers, who were the majority, knew them well, but it didn’t mean that one could go without those.

Truly speaking, I’m not very athletic person, and I realized it particularly at this workshop. After the first day my heel started to hurt and hasn’t stopped till the end of the workshop. But every day another limb joined the club: elbow, knees, spine. By the end of the workshop I was joking that I reached harmony: everything hurt, and I didn’t concentrate my attention on any part of the body. My colleagues (they were eleven not counting Stamatis and the photographer), as it seemed from an outsider’s viewpoint, didn’t feel any discomfort. Even before 7pm they having changed their clothes started to warm up their bodies and vocal chords. So I had a good look at them and decided that I also will start self-cultivation.

HUMAN KNOWLEDGE

The theatre of Stamatis is called “ATROPOS” and his method of work – “Theatre of Connection”®. To some extent it’s a mythopoetic theatre that prefers working not with complicated forms but rather with fundamental principles, archetypes. In that theatre not the mind, but the body is a leader – a big attention is paid to the movements, to the ability to work synchronically with the group and to the eliciting of sounds. I say “elicit sounds”, because at times you should speak out the text which absolutely doesn’t fit into the context. And you have to contrive to make it fit, speak it out with different intonations, in another manner. For example, I was singing one song and based on the situation had to show an impatient secretary calling for an appointment. It would seem, what can it have in common with the lyrics “Zorka was drowning in the lake, Lilit was nursing her son”? Nothing. But you have to find that something in common. I think, I managed.

In general, Stamatis always tries to break long-term established connections. I remember, last year he said that he didn’t have anything against Stanislavsky’s school, but he couldn’t help mentioning that this school dominated everywhere. Or, for example, that there are many performances where all characters are unhappy, but one could do something different, to show happy people – not necessarily, but as an option. Yes, everything would look differently, but it’s possible.

In this respect the director was lucky with the participants – most of us visited all his workshops in Saratov and perfectly understood what was needed from us. As for me, at times I didn’t understand. And not because Stamatis sometimes was switching into English (though he made a big progress in Russian since the last time, he didn’t know the language perfectly). Just because I simply didn’t have the corresponding experience. However, I asked to repeat not so often.

IMPROVISATION

It is something we’ve done a lot, indeed. You shouldn’t think that because Efstathiou is a strict coach, everything happens only in strict defined frame, on the well-trodden path. Well-trodden was in principle impossible.

I would compare this training with jazz, where improvisation doesn’t mean cacophony. Stamatis gives us a task and outlines: we have to play with that situation, to show some required elements, using material at hand. In the beginning the task was quite simple. Everyone brought what they could, and we had an ability to choose. Then Stamatis liked to work with toilet paper, and that’s it – since then we worked only with it, though at the beginning alternative objects were implied. By the end of the workshop we laughed: everybody bought approximately three rolls of toilet paper during that week, so we didn’t have shortage – whatever color or type you like. By then we perfectly knew in which numbers what paper would prove better. For example, soft paper that’s easy to tear at the seams is better to use while showing small objects, while rough cheap rolls costing 8 rubles (approximately 16 euro cents) per piece would be more suitable, let’s say, for “epic canvases”.

Also we could make free with the material we had prepared and learned by heart for the workshop. By the material I mean a song (an obligatory element of every workshop of the Greek director) plus a short piece from “We” by Yevgeny Zamyatin. We were free to choose any piece we wanted – I, for example, opened the novel at the first page that came across and pointed at a text. I liked the text and learned it by heart at home, having imagined, how I would show every word of it. But at the workshop it turned out that Stamatis had prepared for us something completely different

MISUNDERSTANDING

Unfortunately, this question cannot be passed over, because it appears whenever you start talking about avant-garde theatre. When you visit a traditional realistic theatre, it’s more or less clear. Even if you didn’t like something, you can explain why: superficial, boring, not original, vulgar, trivial, dragged out, etc. In the modernistic and avant-garde theatre it’s not so easy: many of these criteria do not work, and one has to put more effort to understand. Here almost always the public gets strictly demarcated to the ones who are in raptures over the viewed performance and the ones who believe that it all was vapid. Quite often the second group of spectators can’t explain what they didn’t like and why, and they use their last argument: “Charlatans!” In short, the discussion inevitably takes on a form of theological argument. They explain their words simply: “I haven’t seen anything in it, there’s nothing”. It also happens that the displeased can argue their position. At least, this option works in Russia. Last year during our interview Stamatis, who was confident and as always spoke precisely, got lost only in one episode: when to his regret he realized that only in our country he can be called a charlatan or even worse – a sectarian. Why – it is a mystery for him. And indeed it’s not clear, where do we take it from? I would risk to surmise that it’s a bitter aftertaste of Perestroika and the 90-s with their Kashpirovskiy, Grobov and Longo. It’s quite natural that at some point people became more suspicious.

Other distressing moment is tactlessness. Last year one famous Saratov artist, who, I presume, accidentally happened to be at the lecture of Stamatis in “Art-Nalet” café, started obtrusively, “as a psychologist”, explain, what the Greek director tries to obtain with his theatre.  He was coming up with the theories that the director thereby socializes introverts, that Efstathiou is an introvert himself, etc. It stopped only when the artist was asked to share his thoughts not so often. Besides it was not Stamatis who asked, but the audience.

And this year there was nothing like that. Everybody understood everything, and even if not, they didn’t try to express their indignation. And it makes me glad.

RESULT

Every workshop of Stamatis finishes with a performance based on the workshop’s topic. (* note by the translator: the author uses two words, both of which are translated into English as “performance”: перформанс and спектакль. Перформанс (calque from English “performance”) is mostly used describing performance art done by visual artists, contemporary artists and all kinds of avant-garde artists as well as theatre, while спектакль (also exists in English as a word “spectacle”, from Latin spectaculum) is used only for theatre plays, mainly in realistic theatre). One cannot call it a spectacle because of the form of presentation and rawness: is it possible during one week to create something finished not only working up your idea, but also teaching people? On the other hand, one shouldn’t think that our “Utopia” came out unremarkable. I believe, for the spectators it was quite interesting.  

In spite of concerns, we gathered quite a big audience for the space we had available. Though I could appraise the situation only after the performance, because during it you concentrate more on the process of performing. Besides, there were pure physical reasons that kept me from looking at the audience – working in masks, and quite often with your back to the spectators. As it turned out, almost one hour in mask in a cramped space with many spectators turns if not into a torture, but at least is quite uncomfortable – sweat, narrow field of vision, not so easy to breathe. Though, I will repeat myself, I was a bit ill.

Everything got mixed in that performance – carnival aesthetics and quite traditional dramatic and comic stories-sketches, a bit realistic, a bit surrealistic. Something here makes you sad, something will make you smile. Though it’s more logical to write in past tense, because this performance as well as any other happens only once. Not everybody seemed to understand it. Some people who didn’t manage to see the performance asked me afterwards: “When will you show it again?” – “Never”, - I answered. Almost with confidence. Performance is performance – hits only once, but with a great force.

Only one, but for me the most important question is left: what did this by no means cheap pleasure give me? Truly speaking, I don’t know. I still can’t formulate and define it for myself. Some years ago I took a guideline to develop myself and get to know different forms of art. Theatre for me became one of pillar stones. I was preparing for three years to participate in the workshop of Stamatis. I was scared to pay for that workshop, and in the beginning to tell you the truth I was not sure that Stamatis was not one of the mentioned charlatans. But last year my doubts vanished completely, especially after the remark of the Greek director that charlatans are people who mutilate, who bring not the good, but harm, and what harm can he bring?  

And really and truly, no harm, only good. I have a feeling that I started to understand the concept of “utopia” better, started to see its hidden meanings, began to feel my body better, and finally, I saw theatre activity from the inside and realized that spectator sees only the top of an iceberg. That 90% of the material that the performance consists of, at least, an avant-gard performance, is being cut and left off screen. Though this meeting was very short, though I met only one side of theatre, still an experience is an experience. Before I had none: even being a student I was never interested in theatre and never has done it. I played in student productions because I had to. And now I needed and wanted to.

Перформанс бьет только раз, но сильно

Рассказ о том, как я попробовал себя в театре

18.03.2014

Андрей Сергеев

У меня установилось что-то вроде традиции – каждый год я встречаюсь с греческим театральным режиссером Стаматисом Эфстатиу и пишу об этой встрече. Год назад это было интервью с ним, два года назад – рассказ о презентации мастер-класса и моноспектакль, где единственную роль играл сам Стаматис. В этом году я наконец дозрел и решил пойти на его мастер-класс, презентация которого состоялась в нашем городе. Не буду расписывать подробно упражнения и иные технические моменты – это больше рассказ о собственных впечатлениях о той неделе и последующее послевкусие.

РИТУАЛЫ И ПОДВАЛЫ

«Утопия» – такое название носит мастер-класс Стаматиса, с которым он приезжал в Саратов в этом году. Этот проект входит в большой «Тетраптих», в котором, помимо «Утопии», значатся «Ожидание», «Метаморфоза» и «Алифия» («Истина»).

В Стаматисе подкупает всё: конкретность мыслей, деликатность, твердость, дисциплинированность и при этом душевность. В конце каждого рабочего дня он непременно скажет «Спасибо тебе» и даже обнимет. Но в процессе работы он – наставник. Репетиции не задерживаются – сказано, в 19:00, значит в это время всё и начнется, максимум минут через десять с учетом вероятных пробок. Опоздавший по определению нарушает тренировочный процесс. Поэтому все приходят вовремя. Еще одно важное условие: никаких шуток. Хотите пошутить – идите в другую комнату и смейтесь там. В конце концов, это не студенческий театральный кружок.

Насчет, кстати, «другой комнаты»: помещение наше размещалось в мастерской молодежного экспериментального театра «На грани», в самом начале улицы Киселева, которая выделяется наличием подвалов и различных организаций, специализирующихся на ритуальных услугах. Мы, понятное дело, работали в подвале. Как потом признается Стаматис, это было самым трудным помещением, в котором ему доводилось работать: маленькая закрытая площадка, огромные колонны, практически отрезающие треть зала. Это, конечно, не свободные просторные залы, но что делать, уж больно удобным было место дислокации – самый центр города.

ИЗНОС

В начале первого дня Стаматис говорит, что сейчас мы все начнем делать упражнения. Старожилам, коих большинство, они прекрасно знакомы, но это не значит, что без них можно обойтись.

По правде говоря, я совсем не спортивный человек, и особенно хорошо это понял именно у Стаматиса. После первого дня у меня болела пятка, которая так и не прошла до самого окончания мастер-класса. Зато каждый день к ней прибавлялось что-то новое – рука в районе сгиба локтя, коленки, позвоночник. К концу семинара я шутил, что достиг гармонии: у меня болело всё и потому я ни на чем не акцентировал внимания. Мои же коллеги (а их было одиннадцать человек, не считая Стаматиса и фотографа), кажется, во всяком случае со стороны, не испытывали никакого дискомфорта: более привычные к нагрузкам и театральной жизни (некоторые из ребят, собственно, в «На грани» и играют), они еще до семи вечера, переодевшись, начинали разминать тело и голосовые связки. В общем, насмотрелся я на них и решил, что тоже буду работать над собой.

ЧЕЛОВЕКОЗНАНИЕ

Театр Стаматиса носит имя «Atropos» и позиционируется как «Театр взаимо­связи». В какой-то мере это мифопоэтический театр, который предпочитает работать не со сложными формами, а, напротив, с некими первоосновами, архетипами. В его театре, пожалуй, именно тело, а не ум главенствует – очень большое внимание уделяется движениям, умению работать синхронно с группой, а также звукоизвлечению. Я говорю именно «звукоизвлечению», потому что порой тебе приходится произносить текст, ну никак в этот контекст не вписывающийся. И ты, соответственно, должен как-то ухитриться и вписать его, произнося с другими интонациями, в совершенно иной манере. Я, например, пел одну песню, а должен был, исходя из ситуации, показать нетерпеливого секретаря, вызывающего на прием. Казалось бы, ну какая здесь связь с «Зорька в озере тонула, сына нянчила Лилит»? Никакой. А надо находить. Кажется, нашел.

Стаматис вообще всегда старается разрушить какие-то устаканившиеся связи. Помнится, он говорил в прошлом году, что ничего не имеет против Станиславского, однако не может не отметить почти повсеместное доминирование его школы или, например, то, что ставятся спектакли, в которых все герои несчастны, а ведь можно поступить и наоборот: показать счастливых людей – не обязательно, но как вариант. Да, всё будет выглядеть совершенно иначе, но ведь это возможно.

В этом плане режиссеру, конечно, повезло с подопечными – большинство из нас посещало все его мастер-классы в Саратове и потому прекрасно понимало, что от них требуется. А я порой не понимал. И дело даже не в том, что Стаматис иногда переходил на английский (все-таки его русский хоть и колоссально продвинулся за год, но не идеален), а в том, что у меня просто не было соответствующего опыта. Впрочем, переспрашивал я не так уж часто.

ИМПРОВИЗАЦИЯ

Вот уж чего было много, так этого. Не стоит думать, что раз Эфстатиу – строгий наставник, то всё движется исключительно в конкретно оговоренных и заданных рамках, по накатанной. По накатанной в принципе быть не могло.

Я бы вообще сравнил эти занятия с джазом, в котором импровизация не подразумевает какофонию. Стаматис дает нам задание и только очерчивает контуры: надо обыграть ту или иную ситуацию, показать при этом несколько обязательных элементов, используя подручные средства. Поначалу задача была достаточно простая. Каждый принес что мог, и мы, соответственно, имели возможность выбора. Потом Стаматису понравилось работать с туалетной бумагой, и всё – с тех пор мы работали только с ней, хотя поначалу подразумевались и альтернативные предметы. К концу мастер-класса мы смеялись: каждый купил где-то три рулона за неделю и потому у нас не было дефицита – на любой вкус и цвет. Тогда мы уже прекрасно знали, в каких номерах какая бумага проявит себя лучше: например, мягкую и рвущуюся по шву удобно использовать при изображении маленьких предметов, в то время как грубые дешевые рулоны по восемь рублей пойдут, скажем так, на «эпические полотна».

А еще мы были вольны обращаться с выученным текстом – произносим только то, что считаем нужным. Под текстом я подразумеваю песню (обязательный элемент любого мастер-класса грека) плюс отрывок из «Мы» Замятина. Да и выбор отрывка тоже был вольным – я, например, просто открыл роман на первой попавшейся странице и ткнул пальцем. Мне понравилось. Дома я разучил уже всю сценку, представил, как буду показывать каждое слово, но когда пришел на мастер-класс, выяснилось, что Стаматис приготовил для нас совсем другое.

НЕПОНИМАНИЕ

К сожалению, этот момент нельзя обойти вниманием, потому что он непременно присутствует, когда речь заходит об авангардном театре. Когда идешь в традиционный реалистический театр, тогда всё более или менее понятно. Даже если тебе что-то не понравилось, ты можешь сказать, почему: поверхностно, скучно, неоригинально, пошло, затянуто и т. д. и т. п. В модернистском и авангардном театре всё уже не так просто: многие эти критерии не особо работают, да и для понимания надо прикладывать куда больше усилий. Здесь почти всегда идет строгое размежевание публики: на тех, кто в восторге от увиденного, и тех, кто считает, что показанное – бездарно. Частенько последние не могут объяснить, что им не понравилось и почему, тогда в ход идет последний довод: «Да это же шарлатаны!» Короче, разговор неминуемо приобретает черты теологического спора. Объясняется шарлатанство просто: «Я там ничего не увидел, там ничего нет». Случается, недовольные могут свою позицию аргументировать. Во всяком случае такой вариант действует в России. В прошлом году, уверенный и всегда конкретно излагающий мысли Стаматис во время интервью, кажется, потерялся лишь в одном эпизоде: когда с сожалением для себя подметил, что только в нашей стране его могут назвать шарлатаном или – хуже – сектантом. Почему – для него загадка. И ведь действительно непонятно, откуда это у нас появилось? Я бы рискнул предположить, что это горькое послевкусие от перестройки и 90-х с их Кашпировским, Гробовым и Лонго. Понятно, что в какой-то момент люди стали просто более подозрительными.

Другой неприятный момент – бестактность. В прошлом году один известный саратовский художник, полагаю, случайно оказался на лекции Стаматиса в «Аrt-Налете» и начал навязчиво разъяснять «как психолог», чего грек добивается своим театром. Пошли теории о том, что режиссер таким образом социализирует интровертов, что Эфстатиу сам интроверт и т. д. и т. п. Закончилось всё тем, что художника попросили реже высказывать свои мысли. Притом попросил не сам Стаматис, а сидевшие в зале.

А вот в этом году такого не было. Все всё поняли, а даже если и не поняли, то не пытались выразить свое возмущение. И это радует.

РЕЗУЛЬТАТ

Каждый мастер-класс Стаматиса заканчивается перформансом на заглавную тему. Спектаклем это, конечно, не назовешь – и в силу формы подачи, и в силу сырости: разве можно за неделю с нуля сделать что-то годное, не только отрабатывая собственную задумку, но и обучая людей? С другой стороны, не стоит думать, что наша «Утопия» вышла никакой. Думаю, со стороны это выглядело по-своему любопытным.

Вопреки опасениям мы собрали довольно большую аудиторию для того помещения, которым располагали. Впрочем, оценил это я уже по большому счету после спектакля, потому что во время выступления концентрируешься на игре. Наконец, были чисто физические причины, мешавшие это сделать, – работа в маске, да еще и часто спиной к импровизированному «залу». Как выяснилось, почти час в маске в тесном помещении со множеством зрителей превращается если и не в пытку, то во всяком случае может вызвать дискомфорт – это пот, сужение поля обозрения, да и дышать несколько сложнее. Впрочем, повторюсь, я был нездоров.

В этом перформансе смешалось всё – и карнавальная эстетика, и вполне традиционные драматические и комедийные истории-сценки, немного реалистичные, немного сюрреалистичные. Здесь что-то вызывает грусть, а что-то непременно заставит улыбнуться. Впрочем, логичнее говорить в прошедшем времени, поскольку этот перформанс, как и любой другой, – явление разовое. Судя по всему, не все это поняли. Во всяком случае некоторые люди, не попавшие на представление, потом спрашивали меня: «А когда вы его еще покажете?» «Никогда», – отвечал я. Почти уверенно. Перформанс на то и перформанс – бьет только раз, но сильно.

Остается, пожалуй, только один, но самый главный для меня вопрос: что это отнюдь не дешевое удовольствие дало? Честно говоря, не знаю. До сих пор не могу сказать и точно для себя сформулировать. Еще несколько лет назад я дал себе установку на то, что буду стараться развиваться и познавать самые разнообразные формы искусства, и театр здесь стал одним из краеугольных камней. До того, чтобы пойти к Стаматису, я дозревал три года: и платить за мастер-класс было страшно, и поначалу, что уж говорить, я не был уверен, что Стаматис – это не упоминавшийся ранее шарлатан. Но в прошлом году эти сомнения окончательно развеялись, особенно после замечания грека, что шарлатаны – это люди, которые калечат, приносят не пользу, а вред, а от него какой вред может быть?

И вправду, никакого вреда, только польза. Действительно, есть ощущение, что я несколько лучше стал понимать концепт «утопия», его скрытые смыслы, лучше стал чувствовать свое тело, наконец, познакомился с театральной деятельностью изнутри и понял, что то, что попадает на глаза зрителю, – это лишь верхушка айсберга, что почти 90 процентов того, из чего составляется спектакль, во всяком случае авангардный, остается «за кадром», «режется». Пускай это знакомство было очень коротким, пускай только с одной из форм театра, но все равно опыт есть опыт, раньше его не было вообще: я ведь даже никогда, будучи студентом, толком не интересовался и не занимался всем этим, играя в студенческих постановках, потому что «надо». А теперь было «надо» уже мне.

 

Photo made by Artiom Korieniuk

 ^^^^^ Alexandra Sursyakova shares some thoughts she had after the open presentation of 1st UTOPIA workshop, in Saratov (Russia). PO RUSKI & IN ENGLISH.

Many thanks to Atropos theatre!
It’s great when something new comes into one’s life. My lucky stars have brought me a gift – a meeting with a person of big heart and a talented Greek director Stamatis Efstathiou.
On the 9th of March 2014 Saratov has seen the performance – presentation of 6-days workshop “Utopia”.
What is this performance about, from my point of view?
Sometimes it seems that if you create the “ideal future”, it certainly will happen. You create it, create it… and you get so deep inside this imaginary future that you forget the existing reality in which you live. Acknowledgment of the reality destroys the borders of the imaginary.
The actors create a “world”. This world is clear only for them. The spectators see their own “world”. And in the reality this “world” doesn’t exist – everything that’s being created is an illusion.
It’s a performance about illusions that don’t exist in reality…
What’s the difference from the classical theatre that I’m used to?
There’s no scenario from the beginning. The scenario is made of actors’ discoveries that are born from the full presence and wholehearted work. The special appeal of the performance is unpredictability. You want to see what will happen next…
Sometimes it seems that the actors are insane – they jump, sing, dance, lie on the floor, make strange movements with their bodies. One of the spectators during the performance said: how terrible! I smiled and thought: what is terrible here? Isn’t it our life? Isn’t our life filled with happy and tragic events, don’t we pass through different states?
Not all theatres are ready to sincerely show true life with all different sides of it. Most of the theatres I know play life but don’t live it.
Here the actors fully live the material from which the plot will be created later on.
What this performance can teach us?
Presence – it’s impossible to predict what will happen next minute. You can just continue watching, being in full presence.
Acceptance – all that happens on stage is our life. And if you turn away from life, you continue living in your own illusions. Life is many-sided, and one can fully experience its taste only having accepted all its sides.
And what was happening behind the scenes?
Stamatis and his beautiful wife lived in our house. My beloved man and the wife of Stamatis also have participated in the workshop. All three of them together came back home almost at midnight. Every time when I opened the door to them, I saw tired and happy eyes at the same time! And is there anything more valuable than a glitter in the eyes that comes from the inside?
Thanks to Stamatis and all the participants for being so open and for the love to what they create!
With love, Alexandra Sursyakova ©.


Спасибо театральной организации Atropos!
Прекрасно, когда в жизнь приходит что-то новое! Так, например, судьба подарила мне знакомство с потрясающим души человеком и талантливым греческим режиссером- Стаматисом Эфстатиу.
9.03.14 в Саратове прошел спектакль – презентация участников 6-ти дневного мастер- класса «Утопия».
О чем для меня этот спектакль?
Иногда кажется, что если создавать «идеальное будущее», то оно точно произойдет. Создаешь, создаешь…и вот уже настолько находишься в придуманном будущем, что забываешь про существующую реальность, в которой сейчас находишься. Осознавая реальность , разрушаются границы придуманного.
Актеры создают «мир». Этот «мир» понятен только им. Зрители видят свой «мир». А в реальности «мира» нет - все, что создается, это иллюзия.
Спектакль об иллюзиях, которых в реальности не существует….
В чем отличия от классического театра, к которому я так привыкла?
Нет заранее придуманного сценария. Весь сценарий-это «открытия» актеров, которые рождаются из полного присутствия и отдачи в процессе работы. В этом есть особая «изюминка» спектакля- непредсказуемость. Хочется смотреть, что будет дальше…
Иногда кажется, что актеры «сумасшедшие люди»- прыгают, поют песни, танцуют, ложатся на пол, изображают телом непонятные на первый взгляд движения. Кто-то из зрителей , увидев происходящее сказал: какой ужас! Я улыбнулась на это и подумала: а в чем здесь ужас? Не это ли наша жизнь? Не бывают ли в нашей жизни разные события (трагические и радостные), не бывают ли разные состояния?
Не все театры готовы откровенно показать истинную жизнь, в разных ее проявлениях. Большинство знакомых мне театров играют жизнь, но не проживают.
Здесь актеры проживают, прежде чем будет создано то, из чего рождается сюжет.
Чему может учить спектакль?
Присутствию - невозможно предугадать, что будет через следующую минуту спектакля. Можно только продолжать наблюдать, оставаясь в полном присутствии.
Принятию- все, что происходит на сцене-это жизнь. И какой бы она ни была, если отвернуться, то можно и дальше жить в собственных иллюзиях. Жизнь многогранная- познать ее вкус, можно только приняв все углы многогранника.
А что было за кадром?)
Стаматис со своей прекрасной женой жил у нас дома. Мой любимый мужчина и жена Стаматиса тоже учувствовали в мастер-классе. Все дружно они возвращались домой почти уже вполночь.
Но открывая двери по их возвращению ,я видела уставшие и счастливые глаза одновременно!
А разве есть еще что-то ценнее, чем блеск глаз, который светит изнутри?!
Спасибо Стаматису и всем участникам за открытость и любовь к тому, что они создают!!
С Любовью, Александра (с)

 ))))) About "Bela Tuva Godonia" in Moscow, from Valentina Kravtsova. PO RUSKI & IN ENGLISH

Photo made by Zuk Sorokretia

“Bela Tuva Godonia” performance in Moscow

I waited and longed for this performance! My expectations came true))

Why do I smile…because the Waiting topic has been touched so gently and has touched me deeply… The performance woke up my inner child, the child has responded, and everything got mixed…or to be more precise – blended..

It starts with the music of sounds…from the instruments that lay in front of the characters…children instruments, professional ones, that make music and noises…and from that very moment two observers were in alert inside me – Child and Adult…Adult wanted to hear and to see what it was and what it was about, and Child asked – how? how will it sound? how will they move?...

From the first words I was taken into fields…into a village…among the grass…with sun and flies..

And then – into the city with all its speeds and wanderings…And then now and again…Trip…through time, sensations, sounds, feelings, search, my own and another’s…merged…

I forgot to ask to make it clear – was it done on purpose, were the actors showing animals?...

But in my impressions from the performance different worlds blended into each other…Animals and People, Sounds and Body Sensations, Adult and Child, Loneliness and Fellowship, Silence and Speed..

And I was not tired…I wanted more…again and again…I didn’t wait for an end, I just existed with the actors…in the performance…and it hasn’t finished…it continues to exist and live in me…after it I ask questions, I remember, I decided to live through something that once hurt me…like that…clearly..now…once again I remembered that Waiting is like that…and Life…and people…so different and so much like each other in something…OOH!)

The main thing for me in this performance are vibrations and feelings!

The performance is very personal, innermost, and it makes me want to protect and preserve it there, where it has got to…there, inside, where it’s warm and cosy, where there’s lots of care and love…to warm it with the breath of my heart…The actors sincerely allowed us to deeply feel their fears, their tenderness (especially the embrace captivated me).., their childish stories…it is as if one makes public his blood test…which to someone is not interesting and unnecessary, and to the other painfully native and close…

In fine, accept my gratitude and sincere wishes for the experiments to be continued)

Valentina Kravtsova

О спектакле "Бела Тува Годония" в Москве.Я ждала и жаждала этого спектакля! Ожидания оправдались))
Почему улыбки...потому что Тема ОЖИДАНИЕ... очень нежно затронута и очень сильно тронула...
Спектакль разбудил моего Внутреннего ребенка, он откликнулся и все перемешалось...вернее сказать-слилось..
Все начинается с музыки звуков...с тех инструментов, которые лежат перед героями...детские, профессиональные инструменты, издающие музыку и шумовые эффекты...и с этого момента уже в моем естестве были настороже 2 Наблюдателя- Ребенок и Взрослый...Взрослый хотел услышать и увидеть, что и о чем все это, а Ребенок - а как? как все это будет звучать? как они будут двигаться?...
А с самых первых слов унесло на поля...в деревню...среди травы...с солнцем и мухами..
А потом в город с его скоростями и скитаниями..А потом снова и опять...Путешествие...сквозь время, ощущения, звуки, чувства, поиск, свое, чужое...слилось...
Я позабыла уточнить-было ли так задумано, показывали ли актеры животных?...
Но для меня в ощущениях от спектакля слились миры...Животные и Люди, Звуки и Ощущения тела, Взрослый и Ребенок, Одиночество и Общность, Тишина и Скорость..
И я не устала...мне хотелось больше..еще и еще..я не ждала окончания, я просто существовала с актерами...в самом спектакле...и он не закончился...он теперь существует дальше и живет во мне...после него я задаю вопросы, я вспоминаю, я решила прожить то, что когда-то ранило...вот так...явно..сейчас...я в очередной раз вспомнила, что Ожидание оно такое...а Жизнь...а Люди..такие разные и в чем-то однозначно такие похожие...УХ!)
Самое главное для меня в этом спектакле- вибрации и чувства! 
Он очень личный, сокровенный, оттого хочется этот спектакль сберечь там, куда он попал..там, внутри, где тепло, уютно, много заботы и любви...согреть дыханием сердца...Актеры откровенно разрешили нам прочувствовать их страхи, их нежность (особенно захватило объятие).., их детские истории...это как анализ крови обнародованный...кому -то неинтересный и ненужный, а кому-то до боли родной...
В общем, БлагоДарность и искренние желания продолжения экспериментов)

Валентина Кравцова

  #### Stamatis Efstathiou interview to the Athens municipal radio station (Journalist: Katerina Batzaki) on the occasion of his workshop in Athens end 2013 > http://soundcloud.com/atropos-3/interview-984-

 

Photo made by: Tomek Deko . "Tuva Godonia" in the Tuvian steppe around Bai Taiga.

######## An article about Atropos performance "Tuva Godonia" (presented in the puppet theatre hall under the support of the national theatre of Tuva) the 4th of September 2013. Written by Marina Kenin Lopsan. 

In Russian also > http://tuvapravda.ru/?q=content%2Fozhidanie-teatralnoy-vselennoy
  

“Waiting” for theatre universe…

Interesting guests come to the center of Asia during warm season. This time we met with the “magnificent seven” from different countries and cities, united by the idea of “Kosmos” project. On the small stage of “Tete-a-tete” theatre last Wednesday “Atropos” theatre group has presented the “Tuva Godonia” performance. For our audience it turned out unusual and unconventional – but interesting.
The road of the group to Kyzyl’s stage was quite peculiar. Tomek Deko, a documental photographer from the Polish city Wroclaw first came to Tuva about six years ago. He travelled a lot in the interiors of Tuva, photographed life of ordinary people. He presents a non-commercial organization “Nowinart”, which organized several of his exhibitions about nomadic life. He hopes to create an album out of this material, and next year to prepare an exhibition in our city.
In his motherland Tomek met a theatre director from Greece, Stamatis Efstathiou, who rarely makes performances in Greece, rather in Russia, Denmark and Poland. In our country the director had started the “KOSMOS” project – immersion in the cultures of the past in different parts of the world. Before Tuva the group worked in a small village in Bulgaria, getting filled with Balkan traditions.
When Tomek offered Stamatis to come to Tuva, the director agreed. And the photographer came to Siberian steppes for the fifth time, while the members of Stamatis’ group for the first. For two and a half weeks the guests plunged into nomadic life. Also they were giving workshop in the National theatre to their colleagues, meeting with musicians, artists, scientists to feel Tuva as deep as possible, because for them Tuva is a nook of the Universe…
A silver-haired Hellene Pavlos Kavadias is taking video during the trip. The group hopes to make a documentary film based on that material. Four actors from Saratov and Saint-Petersburg: Zhenja Klekotneva, Sergey Sozin, Sofia Kolobova and Svetlana Antropova – are a good “plasticine” in the hands of the director. In their travelling to Erzin, Bai-Taiga and Chadan the group was helped by their colleagues from our National theatre lead by director Marina Idam.
… The performance lasted for about an hour. Authors tried to build the action to be understood without words. But the texts are present - written by the actors themselves. Moreover, some pieces from Samuel Beckett’s works were used. The topic is philosophical, deep, bottomless – “Waiting”. During all our life we are constantly waiting for something. Something or someone? What for? Is it so needed? These things are being discussed with us from the stage mostly by the means of music language, plastic theatre, almost without theatre set, with minimalistic surroundings.
Russian, English, Bulgarian, Arabic, Spanish, American Indian and other languages were heard – this is not essential. Melodies of different nations were organically interwoven with the plot. I remembered Chekhov, his three sisters, overfilled with waiting for something grandiose and better. Eternal plot…
Instruments of different cultures were presented very originally, including khomus (Jewish harp), which the actors perfectly mastered. At times it sounded quite avant-garde. Most of all I remember how organically sounded as part of the whole ensemble… the melody (yes, do not laugh!) of paper being torn. There were all kinds of flutes, mini-accordion, horn, maracas. We were shown that sounds can be elicited from anything – you just have to be careful, learn from the surrounding space of sounds. And listen to nature. It gives much food for thought. And silence is also a kind of song of heaven and earth, water and wind, - just be able to “catch” it.
The performance was not entertaining. You had to watch attentively, think, reflect, even analyze. The Rhythm of Time (transmitted by different instruments, even by tongue clicking) is also Kosmos. And waiting can vanish in it without having brought any changes either in life, or around, or inside the human being…
The group remembered performing in Kouran village. Grandmother Aldyn-kys after having seen the performance said that in their life human beings make a lot of noise, thunder a lot, - we should be more quiet. Simple and clear. People of Kyzyl, everybody for himself, for sure, also reflected on some cosmic things of inner "I" when they saw the performance. And after the show audience and the actors talked to the mutual benefit.
Our guests perform in St. Petersburg at the Small Manezh. Next spring the "Kosmos" group is going to visit the Kurdish villages at the border of Iraq and Iran. Brave people.
Marina KENIN-LOPSAN

Stamatis Efstathiou > 
Interview to athensinterviews.com / Συνέντευξη στο athensinterviews.com / интервью в athensinterviews.com

1.Θα ήθελα ένα πρώτο σχόλιο για την παρούσα κατάσταση.

Το δράμα μας δεν είναι τόσο η παρακμή μας. Κάθε κοινωνία κάποια στιγμή μπορεί να πιάσει πάτο… Αρκεί να το παραδεχτούμε. Το δράμα είναι ότι αναζητούμε Θεούς και δαίμονες. Νοσταλγούμε το χρεωκοπημένο μοντέλο ζωής μας αντί να κοιταχτούμε στον καθρέφτη να παραδεχτούμε την ασχήμια μας και να ανακαλύψουμε την ομορφιά, μια ομορφιά που βρίσκεται στα βασικά της ανθρώπινης ύπαρξης…

I would like a first comment about the crisis now in Greece

Our drama is not so much our decadence. Every society at one moment can reach the bottom… We just have to accept it. Our drama is that we search for gods and demons. We feel nostalgic about our failed model of life instead of staring at the mirror, accept our ugliness and instead discover the beauty, a beauty that is hidden in the basics of human existence...

Для начала скажите пару слов о кризисе в Греции.

Наша драма не столько в нашем декадансе. Каждое общество в какой-то момент может оказаться на дне. Мы должны просто принять это. Наша драма в том, что мы ищем богов и демонов. Мы чувствуем ностальгию по предыдущему, неудачному образу жизни вместо того, чтобы посмотреть в зеркало, принять нашу уродливость и найти красоту - красоту, спрятанную в основах человеческого существа.

2. Τι σημαίνει σωματικό θέατρο;

Το θέατρο εξορισμού οφείλει να είναι σωματοποιημένο. Κάθε ανθρώπινη παρόρμηση είναι εμφυτευμένη στα κύτταρα  στο αίμα, στα κόκκαλα , στο δέρμα μας. Προσωπικά αναφέρομαι στο  «Θέατρο της Σύνδεσης», ένα θέατρο που μεταμορφώνει την ενέργεια με τρόπο ισορροπημένο και ολοκληρωτικό. Το θέατρο της Σύνδεσης είναι μακριά από διανοουμενισμούς.

What does physical theatre mean?

Theatre by definition should be physicalised. Every human impulse is rooted in our cells, in our blood, in the bones, in our skin. Personally I am referring to “The Theatre of Connection”, a theatre that transforms the energy in a balanced and total way at the same time. The “Theatre of Connection” is far from intellectualisms.

Что означает «физический театр»?

Театр по определению должен быть физическим, связанным с телом. Каждый человеческий импульс рождается в наших клетках, в нашей крови, в наших костях и нашей коже. Лично я говорю о «Театре Взаимосвязи». Такой театр трансформирует энергию сбалансированно, но при этом тотально. «Театр Взаимосвязи» далёк от интеллектуализма.

3. Ακαδημία Χορού. Γιατί δεν έχουμε στην Ελλάδα;

Περισσότερο από μια ακόμη Ακαδημία στο κέντρο, λείπει η εκπαίδευση στην περιφέρεια, σε όλες τις παραστατικές τέχνες. Και γι΄αυτό δε χρειάζονται λαμπερά κτήρια και φανταχτερές ιδέες. Αξιοποίηση εγκαταλελειμμένων χώρων, σχολείων για παράδειγμα, λιτή και αυστηρή διαχείριση και εμπιστοσύνη τόσο στην παράδοση όσο και στον πειραματισμό.

Why don’t we have Academy of dance in Greece?

Rather than one more Academy in the centre, we need education in the periphery, in all performing arts. And for that we don’t need glorious buildings and brilliant ideas. Instead we can take profit of abandoned or closed spaces, such as schools, and dealing with finances in a strict, clever and reasonable way trust the tradition and at the same time the experimentation.

Почему в Греции нет Академии танца?

Вместо создания ещё одной Академии в центре, нам необходимо образование на периферии, во всех областях сценического искусства. Для этого нам не нужны великолепные здания и выдающиеся идеи. Мы можем воспользоваться заброшенными или закрытыми зданиями, например, школами, строго и благоразумно распределять финансы, доверяя традициям и давая дорогу экспериментам.

4. Ο χορός όπως και το θέατρο είναι μια τέχνη που βασίζεται στο ομαδικό πνεύμα. Με αφορμή την κρίση που διανύουμε πως βλέπετε να αναπτύσσονται οι σχέσεις μεταξύ ατόμων σε μια ομάδα χορού;

Οι ομάδες χορού και θεάτρου είναι ανθρώπινοι οργανισμοί. Και όπως όλοι οι οργανισμοί έχουν αρχή και τέλος. Κάθε τέλος από την άλλη φέρνει αρχές, μετεξέλιξη.

Οι ομάδες πάντως για να αντέξουν στον χρόνο, απαιτούν ιεραρχία και σαφές κεντρικό όραμα. Όλα τα υπόλοιπα περί συλλογικής τέχνης δηλώνουν ή άγνοια ή συγκεκαλυμμένες φιλοδοξίες. 

Dance and theatre are arts which are based on group spirit. On the occasion of the crisis in Greece, how do you see the development of the relations between artists in different groups?

Dance and theatre groups are human organisms. And as all organisms they have beginning and end. On the other hand every end brings new starts, evolution… Anyway, in order that groups resist in time, it is needed hierarchy and clear central vision. Other theories about collective art are rather signs of ignorance or of hidden personal ambitions. 

Танец и театр – это виды искусства, основой которых является групповой дух. В связи с кризисом в Греции, как вы видите развитие отношений между артистами в разных группах?

Танцевальные и театральные группы – это человеческие организмы. И у всякого организма есть начало и конец. При этом каждый конец приносит новое начало и эволюцию. В любом случае, чтобы группы продолжали действовать на протяжении долгого времени, им необходима иерархия и чёткое видение. Другие теории коллективного искусства – это скорее признаки невежественности или скрытых личных амбиций.

5. Έχετε εργαστεί στην αθήνα, στην επαρχία αλλά και στο εξωτερικ'ό. Μια αποτίμηση αυτού του συσχετισμού θα θέλαμε.

Παντού όπου βρίσκομαι, εντός ή εκτός Ελλάδος, αναζητώ την ουσία του ανθρώπου και όχι τον εξωτισμό διαφορετικών πολιτισμών. Οι συνεργασίες που έχω εκτός Ελλάδος με ξυπνάνε από τα στερεότυπα της βιτρίνας της Ελληνικότητας μου. Από την άλλη με βοηθούν να ανακαλύψω και να εμβαθύνω στην δική μου Ελλάδα.

Ειδικότερα η δουλειά σε μικρά μέρη, μπορεί να αποκτήσει χαρακτηριστικά επείγοντος λόγω της αναγκαιότητας της. Σε ένα μικρό τόπο ο καλλιτέχνης συχνά δημιουργεί ερωτήματα ενώ στη μεγαλούπολη διασκεδάζει ή εκπαιδεύει...

You have worked in Athens, in Greek peripheries and abroad. What are your conclusions?

Everywhere where I am, in Greece or abroad, I search for the essence and not for the exotism of humans. The collaborations I have in Greece and abroad make me realize the stereotypes about the Greek identity. On the other hand they help me to discover and to deepen in my own Greece.

Especially working in Greek periphery, the work can obtain characteristics of emergency because of the need of the small community. In a small and isolated place the artist often creates and inspires questions where in cities he rather entertains or educates…

Вы работали в Афинах, в греческой провинции и за границей. Каковы ваши выводы?

Где бы я ни был, в Греции или за рубежом, я стремлюсь найти человеческую суть, а не экзотику. Работа с коллегами в Греции и за границей дала мне осознать имеющиеся стереотипы о греческой жизни и людях. С другой стороны, она помогает мне глубже познать свою собственную Грецию.

Особенно работа в греческой провинции может иметь характер необходимости из-за потребностей небольшого сообщества. Работая в маленьких и далёких местах, художник часто поднимает вопросы и вдохновляет людей задавать их, а в больших городах он скорее развлекает публику или образовывает её.

6. Ποια η γνώμη σας για τις επιχορηγήσεις των θεατρικών σχημάτων και ομάδων χορού;

Πάντα η μαμά κράτος θα δίνει λίγα και το παιδί καλλιτέχνης θα αισθάνεται αδικημένος. Καιρός είναι να δοθούν ισχυρά κίνητρα στην ιδιωτική χορηγία.

What is your opinion about state financial support of theatre and dance groups?

Always “mother-state” will be giving few and “the child-artist”will be shouting against the injustice. It is time to give strong motivation to private sponsors to support performative art.

Каково ваше мнение о государственной поддержке театральных и танцевальных групп?

«Государство-мать» всегда будет давать слишком мало, а «художник-ребёнок» будет кричать о несправедливости. Пора дать сильную мотивацию частным спонсорам поддерживать сценическое искусство.

6. Μια άποψη λέει ότι όσο περισσότερη ιδιοκτησία κατέχει κανείς, τόσο μεγαλύτερη απόσταση παίρνει από τον εαυτό του. Τι λέτε;

Είναι αλήθεια ότι η ολιγάρκεια είναι μια αξία ζωής που ξεχάστηκε μέσα στον ευδαιμονικό ίλιγγο μας. Σαν το φαγητό που χάνει την ταυτότητα του όταν φτιάχνεται με όλα τα υλικά του κόσμου. Έχουμε το πάθος. Το μέτρο μας λείπει.

Some people believe that the more belongings you have, the more you take distance from your inner self. What do you think about that?

It is truth that living and enjoying under simple conditions is something that has been forgotten under this never ended fight for happiness. It is like the dish that loses its identity because you use for it all the ingredients of the world. We have the passion. We lack of measure.

Некоторые считают, что чем больше у вас собственности, чем дальше вы находитесь от истинного внутреннего «я».  Что вы об этом думаете?

Это верно, что способность жить в простых условиях и радоваться была забыта в нашей непрекращающейся гонке за счастьем. Это как блюдо, которое теряет свою идентичность, если положить в него все ингредиенты на свете. У нас есть страсть, но нет меры.

7. Κάποιοι υποστηρίζουν ότι αν δεν μπει φυλακή το μισό πολιτικό προσωπικό των τελευταίων δεκαετιών η Ελλάδα θα παραμείνει μια χώρα διαπλοκής και παρανόμων δημόσιων λειτουργών. Ποια η γνώμη σας.

Μα όλοι εμείς που στηρίξαμε και στηρίζουμε τις μεταλλάξεις αυτών των ανθρώπων δε θα φέρουμε στη θέση τους καινούργια «μπουμπούκια» με άλλον μανδύα; Πιστεύω στην ατομική ευθύνη. Δεν είναι κάποιοι συλλήβδην καλοί ή κακοί. Και γι΄αυτό ασφαλώς είναι αναγκαία  η τήρηση των νόμων και για το πιο απλό και καθημερινό πράγμα. Μπορούμε να τηρήσουμε την απαγόρευση του καπνίσματος σε δημόσιους χώρους; Ξέρω ότι οι θέσεις μου δεν είναι πολύ «καλλιτεχνικές», αλλά η ρήξη με την παρακμή δεν είναι θέμα στυλ.

Some believe that if half of politicians do not enter in prison Greece will never cut the thread of corruption. What is your opinion?

All of us who supported and support the mutations of this people, aren’t we going to bring in their place new “talents” just with new “clothes”? I believe in individual responsibility. Not everybody is black or white. And for that we need to keep the rules for the simplest things. Can we for example respect the law of prohibition to smoke in public spaces? I know that my opinions are not so “artistic”, but the rupture of decadence is not a question of style. 

Некоторые считают, что если половина политиков не сядет в тюрьму, Греция никогда не прервёт порочный круг коррупции. Каково ваше мнение?

Все мы – те, кто поддержал и поддерживает мутации этих людей, - разве не принесём на их места новые «таланты», только в другой «одежде»? Я верю в личную ответственность. Не все являются либо чёрными, либо белыми. Нам просто необходимо соблюдать простые правила. Например, уважаем ли мы закон о запрете курения в общественных местах? Я знаю, что мои мнения не особо «артистичны», но прорыв через болото декаданса – это не вопрос стиля.

Μπορεί να επαναστατήσει ο σύγχρονος άνθρωπος;

Έχουμε χορτάσει από επαναστάσεις κάθε είδους. Τη θάλασσα δεν την αλλάζεις όσο κι αν χτυπάς τα κύματα. Μπορείς ωστόσο πλέεις πάνω της, μέσα της με κατανόηση και αναζητώντας νησίδες ανάσας και φωτός. Ένα ποίημα από την Ανατολή μας θυμίζει ότι «περπατάμε στην κόλαση χαζεύοντας άνθη».

Can modern man make his revolution?

We have enough of revolutions and contra-revolutions. You cannot change the sea no matter how you beat it. You can nevertheless float on it, in it with understanding and researching for islands of breath and light.

Может ли современный человек совершить революцию?

С нас хватит революций и контрреволюций. Сколько бы вы ни били море, его нельзя изменить. Тем не менее, по нему можно плавать, понимая его и ища острова света, на которых можно дышать.

8. Είναι μια περιττή πολυτέλεια η Τέχνη τελικά;

Είναι περιττή όσο περιττά αναγκαίο είναι το αλάτι στο φαγητό, η σύγκρουση στην ανθρώπινη σχέση, το περπάτημα στη ζωή του ανθρώπου.

Is finally art a luxury?

It is a luxury as much luxury is the salt in food, the tension in human relations, walking in human’s life.

Искусство, в конце концов, это роскошь?

Это роскошь в том смысле, в каком роскошью является соль в пище, напряжение в человеческих отношениях, прогулки в жизни человека.

9. Πόσο πιθανό είναι να δούμε μια μέρα την Ελλάδα να προάγει πολιτισμό στο εξωτερικό?

Ήδη συμβαίνει. Αρκεί να ξεκολλήσουμε από τη μιζέρια μας και να το παρατηρήσουμε.

Is it possible for Greece to “export” culture?

It happens already. We just have to overpass our misery and observe it.

Может ли Греция «экспортировать» культуру?

Это уже происходит. Нам только надо преодолеть свои невзгоды и наблюдать за этим.

10. Η Τέχνη θα σώσει τον Άνθρωπο;

Ο κάθε άνθρωπος έχει τη δική του πορεία. Και πιθανόν να μη χρειάζεται σώσιμο. Η τέχνη ανοίγει παράθυρα συνείδησης. Για όποιον ενδιαφέρεται.

Can art save human being?

Every human has his own life. And maybe he doesn’t need to be saved. Art opens windows of conscience. For whoever is interested.

Может ли искусство спасти человека?

У каждого человека есть своя жизнь. Может, кому-то не нужно быть спасённым. Искусство открывает окна сознания – кому это интересно.